КРАТКАЯ ИСТОРИЯ БОЛЬШОГО ТЕАТРА

Итак, дорогой наш зритель, вы в Большом театре — месте, которое жило в самых смелых мечтах самых значительных звезд последних двух веков.

28 марта 1776 года князь Урусов получил от Екатерины II привилегию «быть содержателем всех театральных в Москве представлений». Этот день и считается днем основания Большого театра, хоть последующая за привилегией стройка и растянулась на пять лет.
Свое первое название — Петровский — театр получил по своему местоположению: он выходил фасадом на улицу Петровку.

В 1805 году случился первый пожар — здание театра пропало, и его труппе пришлось скитаться по неудобным и неприспособленным для масштабных выступлений частным сценам. Однако труппе повезло: в 1806 году она перешла в распоряжение Дирекции императорских театров и стала императорской. Это повысило ее статус и открыло новые возможности.

В 1808 году труппа получила новое здание на новом месте взамен сгоревшего — Арбатский театр. Он был возведен по проекту гениального архитектора Карла Росси и было полностью построено из дерева. Это архитектурное решение стало для него роковым: когда Москва горела в 1812 году, здание Арбатского театра сгорело одним из первых.
Вернувшись в Москву, труппа снова стала скитаться по разным зданиям, и в 1919 году был объявлен конкурс на проект нового здания театра. Однако победивший на конкурсе проект оказался слишком сложным и финансово затратным, поэтому за дело взялся Осип Бове. В 1825 году состоялось торжественное открытие Большого Петровского театра, который своими размерами превзошел даже самый большой на ту пору Большой каменный театр в Петербурге: вместимость зрительного зала составила 2000 человек.

Еще одним новшеством, введенным с новым зданием, стали лошади, управляемые Аполлоном: если здание предыдущего театра венчала тройка лошадей, но Бове разместил на фасаде квадригу.

В 1853 году случился новый (и, к счастью, последний) пожар. Его не могли потушить три дня, и он начисто уничтожил все внутреннее убранство театра. Восстанавливать театр помогали всем миром: многие москвичи даже приносили костюмы и элементы обстановки для театра взамен сгоревших. Работы по восстановлению продвигались быстро: в 1856 году отремонтированный Альбертом Кавосом театр принимал зрителей.

Именно Кавосу театр должен быть обязан великолепной акустикой: он создавал зрительный зал по примеру музыкальных инструментов, используя большое количество дерева на потолке, стенах и предметах обстановки. Благодаря этому Большой «звучал» чуть ли не лучше всех в мире. Впрочем, последующие реставраторы свели этот эффект на нет, по незнанию заменив дерево на металл. Большой стал звучать гораздо хуже, и главной целью масштабной реставрации было восстановить изначальную акустику.

После революции «буржуазный» Большой оказался на грани закрытия. Однако труппа пошла на сотрудничество с новой властью, а Луначарский активно выступал за сохранение театра — и Большой никто не тронул.

В Великую Отечественную войну большая часть труппы была эвакуирована в Куйбышев, но некоторые остались для поддержания боевого духа москвичей. Впрочем, выступать в здании самого театра они не могли: еще в 1941 году в него попала бомба. Однако театр быстро восстановился и после войны уже активно принимал публику.

Одной из основных задач реконструкции Большого, начатой в 2005 году и длившейся шесть лет, стало улучшение испорченной акустики и возвращение зданию исторического вида. Чтобы воссоздать исторический облик в мельчайших деталях, реставраторы тщательно изучали архивные фотографии.

Теперь фасад Большого стал золотисто-песочным, а Аполлону вернули пряжку на поясе, венок в руке и фиговый листок, которые присутствовали в изначальном варианте скульптуры. Фойе выкрасили в нежно-розовый оттенок, как это было в 19-м веке, а из зрительного зала убрали всю советскую символику, заменив ее гербами разного времени.

ИЗНАНКА
ТЕАТРА

Техническая сторона сцены Большого театра

Размер сцены Большого театра 21 на 21 метр, на данный момент это самая большая сцена в Европе.

В Большом театре есть грузовая площадка весом в 40 тонн, которая позволяет доставлять декорации на сцену из складов или улицы. В самом театре, под сценой, есть место для хранения декораций только для 3-х спектаклей.

Под сценой установлен большой гидравлический привод, который находится на глубине 20 метров, приводит в движение все элементы театральной механики и с лёгкость поднимает 80-ти тонные конструкции. Более 200 подъёмников установлено на сцене Большого. Сама сцена состоит из двухъярусных сценических платформ и 7-ми подъемно-сценических площадок, которые могут трансформировать сцену от горизонтальной до ступенчатой или с уклоном.

Установка гидравлических механизмов необходима для снижения уровня шума. Так при движении сценических площадок он составляет 30 дБ. Это как шёпот или тиканье часов, поэтому работу оборудования не слышно в зрительно зале.

Обычно в балетных постановках сцена расположена под углом в 7 градусов к зрителю. Это необходимо, чтобы создать перспективу, показать красоту танцевального рисунка, эффектность прыжков и обеспечить хороший обзор с задних рядов партера. А в опере наклонная сцена нужна для улучшения акустики.

Сцена Большого театра, точнее балетный пол, состоит из отреставрированного старого пола, который покрывают несколькими слоями материалов, поверх укладывают тонкое фанерное покрытие на амортизаторах для создания дополнительной воздушной подушки, амортизирующей прыжок, и балетного линолеума. Балетный линолиум разработан врачами-ортопедами.

Конечно, есть выдвижные платформы - балетные фуры, на которых подготовлены декорации для следующей сцены, при необходимости быстро выезжают на сцену. Поворотный круг, который перемещает декорации и актёров по сцене. И люк - провал, благодаря которому артист может появится из 17 разных мест. Всё это помогает создать на сцене сказку.

КАК СВЕТИТ БОЛЬШОЙ ТЕАТР

Изначально Большой театр освещался свечами и масляными светильниками, чтобы зажечь главную люстру её каждый раз поднимали в специальную комнату наверху. Но в 1863 году её поменяли на люстру с газовыми рожками. Через 30 лет газовые рожки поменяли на электрические светильники. Люстру украшают 25 000 хрустальных подвесок, их вес 260 килограмм, со временем хрупкие украшения ломаются и их заказывает заново. Так во время большой реставрации чешские мастера изготовили 15 000 новых подвесок.

Из-за хрупкости конструкции и больших размеров люстру моют 1 раз в год. Трехъярусную конструкцию диаметром 6,5 м и высотой 8,5 м, весом 2300 кг на страховочных тросах опускают на 20 метров вниз и моют каждый элемент, используя только воду и денатурат. Все лампочки, 336 штук, в люстре меняют на новые. А каждую хрустальную подвеску проверяют на сколы и при необходимости шлифуют. Чтобы отмыть это произведение искусства требуется 4 часа.

Во время реставрации усовершенствовали, в том числе, освещение сцены. В Большом театре создана система освещения, где сохранен принцип попланового размещения света, но прожекторы достаточно мобильны, они могут перемещаться по вертикали и поворачиваться в оси. Системой управляет американский светотехнический комплекс.

Этот комплекс, позволяет смоделировать свет, передвижение декораций, бутафории и спецэффектов в виртуальном пространстве, а потом с точностью воспроизвести их на сцене. От вспышки лампочки до полета артиста. Репетиции на сцене проходят уже с полностью отработанной сценографической схемой.

В Большом театре существует лазерная система сканирования, она нужна для создания динамических световых картин. Так она отслеживает перемещение артистов на сцене, чтобы с нужного ракурса осветить нужным светом. Каждый прожектор имеют светофильтры, шторки и отсекатели света, контролируемые компьютером, а плавный переход от холодного к теплому свету обеспечивает система непрерывного цветосмешения.

Техническое оснащение БТ одно из передовых, в нем реализованы технические проекты не имеющие аналогов в мире. Оборудование помогает воплотить любые идеи. Конечно, в этом помогают различные проекторы и специальные звуковые системы.

ЛЮБОПЫТНЫЕ ФАКТЫ О БОЛЬШОМ ТЕАТРЕ

Каждый год перед фасадом Большого театра высаживают тюльпаны. Но не все знают, что выбраны они неслучайно: регулярно для клумбы главного театра страны выбирают специальные «балетные» сорта тюльпанов. Их вывел Дерек Лефебер под впечатлением от «Лебединого озера» с Улановой. Сорта названы «Большой театр» (ярко-красный цветок с черным донцем) и «Галина Уланова» (небольшой нежный розовый тюльпан)

В первой версии Большого, которая тогда называлась Большим Петровским театром, Аполлон на фасаде управлял не четверкой, а тройкой лошадей. После того как здание сгорело, понадобилась и новая скульптура — тогда и появилась знаменитая квадрига

Кстати, сама фигура Аполлона тоже изменилась при последней реконструкции в 2010 году: при изучении старых эскизов реставраторы выяснили, что обнаженный бог в изначальной версии прикрывался фиговым листком. Так появилась «цензура» на его мужском достоинстве, а вместе с тем фигуру дополнили лавровым венком в руке. Однако фиговый листочек сделали съемным, при желании его можно демонтировать. А вот на сторублевой купюре Аполлон по-прежнему без цензуры

После пожара 1853 года конкурс на восстановление театра выиграл Альберт Кавос. Именно его конструкция сделала акустику Большого совершенной: после долгих споров с архитекторами и пожарными он добился-таки, чтобы часть конструкций была деревянной, по примеру музыкальных инструментов. Металлические элементы свели бы все усилия к нулю

В самом начале труппа Большого состояла всего из 43 человек. Сейчас же это общее число штата, включая техников и администрацию, перевалило за три тысячи

В 1920 году деревянные элементы сваи фундамента прогнили и обрушились — одна из стен зрительного зала осела, двери заблокировались, и зрителей пришлось эвакуировать через ложи. После этого в основание фундамента положили бетонную плиту — она прибавила конструкции прочности, но убила акустику. Поэтому главной задачей при реставрации в 2010-м было восстановить легендарное звучание Большого

Художественный руководитель труппы - ответственное лицо, решает организационные вопросы труппы, утверждает артистов на партии, участвует в репетициях и др.


Балетмейстер – главный балетмейстер театра, но приглашаются и другие.


Репетиторы - балетмейстеры и педагоги, проводят ежедневные классы и готовят артистов к ролям.


Артисты балета:
Балерина (прима-балерина ) т.е. первая/Премьер (мужчина) - первый танцовщик


Ведущие солисты (мужчины и женщины), исполняющие первые и вторые по значимости партии


Первые солисты


Солисты


Кордебалет


Миманс


Работающие по контракту – исполнители, занятые в репертуаре не постоянно, а на заранее оговоренных условиях и на конкретные спектакли


При всей этой иерархии нужно понимать, что сейчас нет конкретных четких требований к исполнению той или иной партии. В главной партии в балете можно увидеть молодую артистку кордебалета или первого солиста. Таким образом руководство театра нередко дает шанс молодому поколению проявить себя и пойти дальше по карьерной лестнице.

ИЕРАРХИЯ БАЛЕТНОЙ ТРУППЫ БОЛЬШОГО ТЕАТРА

ПОКУПКА
БИЛЕТОВ

Итак, дорогой наш зритель, вы решили сходить в театр. И не в любой, а именно в главный театр нашей страны. Вы открываете свой компьютер, ищете билеты в Большой театр, смотрите первые сайты, предлагаемые поисковой системой, и скорее всего видите безрадостную картину – партер за 50 тыс. рублей, бельэтаж за 30 тыс. рублей и балкон за 10 тыс. рублей. «В Большой театр попасть невозможно» - скажете вы, и будете не правы. Давайте разберемся – как на самом деле выглядит ситуация с официальными билетами в Большой театр.

Первое, что надо запомнить раз и навсегда: билеты в Большой театр реализуются только в кассах театра и на официальном сайте (https://bolshoi.ru). Все остальные платформы являются торговыми площадками спекулянтов, даже если трижды большими буквами написано, что это официальные билеты.

ГДЕ КУПИТЬ БИЛЕТ

КАК ВЫГЛЯДИТ БИЛЕТ В БОЛЬШОЙ ТЕАТР

Обратите внимание – если вы приобрели билет у сторонних продавцов (спекулянтов) или вам его подарили, вполне возможно, что ваши дарители решили любезно заклеить цену на билете. Так вот, этого делать категорически нельзя! Уже имеются прецеденты, что зрителя не пускали в театр по причине того, что билет не соответствует своему заявленному виду. Будьте внимательны!

ЦЕНОВАЯ
ПОЛИТИКА

Недавно мне на почту пришло предложение купить билеты на балет «Нуреев» за 60 тыс. рублей. Таких цен у Большого театра нет! Максимальная цена билетов в партер на Историческую сцену составляет 15 тыс. рублей. И только один спектакль в году будет стоить вам дороже – это новогодний «Щелкунчик» 31 декабря. Более бюджетным вариантом станет для Вас Новая сцена – здесь цена билетов не составит более 8 тыс. рублей за партер.

Также ценовая политика может отличаться у спектаклей и концертов, организатором которых не является Большой. Таким образом, театр просто отдает им театр в аренду. Например, творческие вечера Светланы Захаровой или гастрольные спектакли труппы Бориса Эйфмана и так далее.

СТАРТ
ПРОДАЖ

Билеты в Большой театр начинают продавать приблизительно за 3 месяца до даты спектакля. График продаж на каждый конкретный месяц всегда публикуется заранее на официальном сайте театра (https://2011.bolshoi.ru/visit/buyingnew/). Таким образом, владея всей информацией, вы сможете заранее приобрести билеты на интересующий вас спектакль любой ценовой категории. Если вы не обладаете навыком столь долгосрочного планирования, не расстраивайтесь – театр всегда выбрасывает некоторое количество билетов на сайт за несколько дней до начала спектакля, и при желании при небольшом мониторинге, скорее всего, вы найдете себе билет.

В графике продаж вы обнаружите разное время старта продаж билетов. Сначала открывается предварительная продажа в кассе театра. Затем на сайт театра поступают именные билеты, и только потом открывается свободная продажа (то есть билеты будут не по паспорту).

ИМЕННЫЕ И НЕ ИМЕННЫЕ БИЛЕТЫ

Сейчас реализуются билеты двух типов – по паспорту и без паспорта. Что это значит? В целях борьбы со спекулянтскими организациями Большой театр продает некоторое количество билетов с обязательным указанием паспортных данных зрителя. При оплате Вы получите электронный сертификат, который впоследствии нужно будет обменять в кассе на распечатанный билет на фирменном бланке. Будьте уверены – «проскочить» по чужому билету не удастся, так как доблестные сотрудники охраны обязательно проверят на входе документы, удостоверяющие личность. Если же вы приобрели билет обычной категории, и при покупке не требовалось указать паспортные данные, то предъявлять документ на входе не потребуется, и вы всегда можете передать этот билет друзьям или родственникам.

Еще недавно переоформить «паспортный» билет на родственника или друга было практически невозможно, что причиняло большие неудобства, но с недавнего времени театр разрешает это сделать. Подробнее об этом мы расскажем в соответствующем разделе.

КАК КУПИТЬ БИЛЕТ В ПОДАРОК

Если вы хотите приобрести билет в подарок, вы можете сделать это онлайн на сайте театра, либо в кассе театра. Даже если билет именной, можно предоставить паспорт вашего родственника/друга. При этом подойдет копия или даже фото документа в телефоне.
Еще раз напомним, что цену заклеивать и закрашивать на билете строго запрещено!

Важно!

Обратите внимание, что на стадии предварительной продажи вы сможете купить не более двух билетов на один конкретный спектакль, это правило введено в целях борьбы с перекупщиками. Исключение составляет покупка билетов несовершеннолетним детям и внукам (понадобится предъявить подтверждающие родство документы)
То же касается онлайн продаж. В одном заказе должно находиться не более двух билетов. Если вам необходимо приобрести больше билетов, то потребуется создать несколько заказов, последовательно их оплатив.

Временные ограничения, связанные с коронавирусной инфекцией

В связи с ограничениями по рассадке ( в зависимости от эпидемиологической обстановки театры обязаны ограничивать вместимость своих залов) театр ввел определенные правила: на сайте осуществляется продажа как парных, так и индивидуальных билетов. При этом, для покупки индивидуального на сайте вам необходимо переключиться на эту категорию на схеме.

ПРОЦЕДУРА ОНЛАЙН ПОКУПКИ БИЛЕТОВ

При переходе на станицу покупки билетов выбранного вами спектакля вы увидите такой экран. В левом верхнем углу находится кнопка переключения тарифов (парный или индивидуальный). Доступные к продаже билеты подсвечены цветом ( зеленый – свободная продажа, красный – по паспорту). После выбора мест нажимаем на кнопку в правом верхнем углу для перехода в корзину.

Билеты хранятся в корзине 20 минут, и после этого заказ аннулируется.

Если вы выбрали билеты по паспорту, то на следующем этапе нужно будет ввести свою фамилию и паспортные данные

Не все места в зрительном зале Большого театра одинаково прекрасны. Иногда даже с самого первого ряда партера не разглядеть удивительных стоп балерин, а с некоторых мест верхних ярусов может «съедаться» целый кусок пространства сцены. Давайте разберемся.

Историческая сцена насчитывает до 2,5 тысяч мест.

Заядлые театралы говорят, что для того, чтобы определиться, где лучше видно и слышно именно вам, нужно посидеть везде и сделать свои выводы. Конечно, у большинства людей нет такой возможности, а может желания. Поэтому мы тезисно прописали основные важные на наш взгляд моменты:


1. Вопрос акустики в зале так же важен и сложен, как и вопрос обзора. Есть свои тонкости при выборе мест для прослушивания оперы. Специалисты говорят, что лучше всего слышно с 4 яруса со стоячих мест.


2. Если планируете опаздывать, лучше выбирать ложи – туда вас скорее всего пустят без проблем и после начала спектакля (хотя мы все же рекомендуем вам прийти пораньше и без спешки насладиться волшебными минутами перед спектаклем);


3. Многие любители считают, что почти все балеты лучше смотреть с правой стороны – хореография так поставлена, что артист «выходит» на зрителя, сидящего именно с этой стороны;


4. Первые ряды партера – не самый лучший вариант, если вы хотите разглядеть ноги танцовщиков – на сцене есть высокий бортик, который буквально «обрезает» вид. Но только с этих мест вам будут видны эмоции на лице артистов, для многих это важно;


5. Ситуация значительно лучше с 6 ряда партера. Неспроста 7 и 8 ряды всегда считались самыми престижными, там чаще всего сидели приглашенные важные персоны. Пожалуй, это оптимальный компромисс, для тех, кто хочет видеть и рисунок танца, и при этом разглядеть исполнителей.


6. Амфитеатр – прекрасные места, находятся чуть выше партера, по цене чуть подешевле;


7. Ситуация с ложами довольно сложная – можно увидеть все, а можно и ничего! Самые лучшие ложи, на наш взгляд, расположены по бокам от Царской (ложа №15 в бельэтаже и №12 на 1 ярусе) – отсюда вы будете иметь шикарный обзор на рисунок танца, а театр будет как на ладони. Никогда не забуду свой просмотр Щелкунчика из ложи №15 в бельэтаже! Воистину театр оттуда выглядит потрясающе! Вообще, чем ближе к центру, тем лучше вам будет видно хореографический рисунок балета, сложные построения кордебалета.


8. Обратите особое внимание на 3 ряд центральных лож – эти места всегда стоят намного дешевле, но видно оттуда будет прекрасно – из-за наличия высоких «барных» стульев;


9. Самые худшие места для обзора – это 2 и 3 ряды боковых лож. Очень большая вероятность попасть на «слепое место». Или вам придется провести спектакль стоя.


Ситуация с Новой сценой значительно проще. Ее куда более скромные габариты и более «приятные» цены на билеты дадут вам возможность разглядеть все детально практически с любого места.

КАК ВЫБРАТЬ ЛУЧШИЕ МЕСТА В БОЛЬШОМ ТЕАТРЕ

«ЩЕЛКУНЧИК»

Мы неслучайно выделяем этот балет в отдельную категорию. Воистину самый долгожданный и любимый спектакль для всех категорий зрителя заслуживает отдельного раздела. Не раз мы слышали жалобы о невозможности найти билет, а цены на спекулянтских сайтов могут достигать таких высот, что вдруг случайно увидев их, вы можете навсегда бросить попытки… Но сколько наших знакомых уже сумели попасть на этот чудесный балет, воспользовавшись нашими простыми рекомендациями!

Уверены, что все получится и у вас!

Что важно знать – билеты на новогодний блок «Щелкунчика» обычно начинают продавать в сентябре. Продажи происходят исключительно по паспортам. Это значит, что со сдачей билетов будут некоторые сложности…Но если вы точно знаете, что на праздники остаетесь в Москве или готовы рискнуть, то без труда возьмете билет – всего в продажу поступят билеты примерно на 25 спектаклей, этого более, чем достаточно, чтобы осчастливить всех желающих. График продаж будет представлен на сайте театра.

Даже если вы не озаботились приобретением заранее, у вас все равно остается шанс, и мы сейчас не о перекупщиках. Когда блок «Щелкунчиков» начнется, в продажу онлайн будут периодически поступать штучные билеты. Мониторьте сайт. Конечно, поймать билет на новогодний спектакль 31 декабря шансов куда меньше, но нет ничего невозможного! Разумеется, на январские спектакли попасть куда легче.

ВОЗВРАТ
БИЛЕТОВ

Что делать, если обстоятельства вносят свои коррективы и по той или иной причине вы не сможете посетить спектакль. До недавнего времени у Большого театра отсутствовали единые правила сдачи билетов, в связи с чем решение о принятии у вас билета обратно в кассу театра принималось в частном порядке непосредственно администратором.

Сейчас в театре есть четко регламентированные правила, причем они отличаются для обычных билетов и для именных. Давайте разбираться вместе.

Мы не будем сейчас рассматривать случай отмены или замены спектакля – здесь по всем законам и правилам театр без проблем вернет вам деньги.

Что же делать тем зрителям, кто хочет сдать билет по своим личным причинам?

Вы можете это сделать, театр вернет деньги, но сумма будет зависеть от того, насколько заранее вы это делаете:

Для оформления возврата нужно обратиться в кассу театра с заявлением. Если оплата была произведена картой, возьмите ее с собой.

Именной билет теперь можно переоформить на другого человека, но не позднее, чем за 10 дней до спектакля. Для этого нужно будет приложить к заявлению ваши паспорта и согласие нового владельца билета на обработку персональных данных.

• Не позднее 3 дней – 30% стоимости;

• Менее, чем 3 дня – ничего не получите.

• Не позднее 10 дней до спектакля – 100% стоимости;

• Не позднее 5 дней до спектакля – 50% стоимости;

https://2011.bolshoi.ru/upload/medialibrary/f8e/f8edb4fb5a4e93e5e12569208aa3bae2.pdf

В случае если вы решите сдавать ваш билет, рекомендуем вам все же обратиться к сайту Большого театра и внимательно ознакомиться с их актуальными полными правилами.

Программа «Большой – молодым»

Если вам от 16 до 25 лет, вы можете сходить в Большой театр за 700 рублей!!

Об этой программе мало кто знает, но она рабочая – такие спектакли по специальной программе проходят несколько раз за сезон. Театр объявляет о них на своем сайте и в своих официальных сетях.

Для покупки вам понадобится удостоверение личности. Также возьмите его с собой в театр на спектакль.

Обратите внимание, что билеты, купленные по специальной программе, возврату не подлежат.

ЗАЯВЛЕНИЕ НА ВОЗВРАТ БИЛЕТА В БОЛЬШОЙ ТЕАТР

СОСТАВЫ

Если вы в балетном деле не новичок, вполне возможно, что у вас появится желание попасть на спектакли с участием определённых артистов. Большой театр публикует составы на своем официальном театре, чаще всего примерно за месяц до даты спектакля, но иногда не отличается оперативностью. Рекомендуем обратить внимание на личные сайты артистов . В частности, Светлана Захарова и Иван Васильев могут заранее знать даты своего участия в балетах Большого театра, иногда за несколько месяцев. Но и другие артисты часто публикуют информацию о своей занятости на своих сайтах или страницах в социальных сетях.

ВНУТРИ
ТЕАТРА

Ну что ж, дорогой зритель, билеты куплены, «show must go on!» Вопрос, касающийся дресскода в наше время может показаться несколько размытым. По классике театр – это прежде всего выход в свет, и Большой театр сохранил эти традиции больше остальных. Вечерний туалет (black tie), безусловно, добавит вам впечатлений, так как, погружаясь в атмосферу волшебства, зрителю тоже хочется блистать, пускай и не на сцене главного театра страны. Однако если такой подход вам не близок, вполне достаточно остановить свой выбор на коктейльном наряде. Но и здесь могут быть допущены свои отступления: низшая ступень вашего наряда рассматривается, как нарядный кэжуал об руку с последними модными тенденциями. Справедливости ради отметим, что сегодня вас могут допустить даже в джинсах, но, поверьте, это вопиющий моветон. Что касается Новой сцены, дресскод существенно проще, модного кэжуал будет вполне достаточно. На театральном языке форма одежды призвана выражать отношение к творчеству артистов, музыкального коллектива, балетмейстера, дирижёра, худрука и других участников постановки, поэтому мы рекомендуем не пренебрегать уважением к устоям Дома Театра.

ЦВЕТЫ ДЛЯ АРТИСТОВ

Перед тем, как попасть на желанный спектакль, случается у гостей Большого театра непреодолимое желание выразить свои поддержку и благодарность нашим блистательным артистам. Народная артистка СССР Галина Вишневская (сопрано) говорила: «У меня были поклонники, которые приезжали на мои спектакли из других городов. Бывало, чувствую недомогание, не хочу петь, но я знаю, что сегодня одна из них прилетела в Москву, истратив на самолет свои последние гроши, и, отказав себе в обеде, купила мне цветы… И я вылезаю из постели, заставляю себя собраться и иду петь для нее спектакль».

Как же это можно сделать? При выборе букета вы ничем не ограничены, только одно правило: никаких коробок и корзин. Историческая сцена: возле администратора, у левого входа ваши дары будут рады принять учтивые капельдинеры, те самые, кто проверяют ваши билеты и следят за порядком. Хотя бывают дни, когда цветочки принимают служащие театра возле внутреннего входа с правой стороны. Всегда лучше предусмотреть все заранее и прикрепить записку к букету с вашими пожеланиями и указанием, какому именно артисту предназначен букет. Вы можете послать букет анонимно, либо подписать букет (некоторые любители оперы/балета подписываются своими «никами» в Instagram) – воля ваша. А если вы забыли прикрепить карточку – не беда, всегда можно попросить у служащих бумагу для записки и подписать все, что не успели. На Новой сцене дело обстоит иначе, пройдя капельдинеров, а затем рамку (вместе с букетом) не успеете оглянуться, как вы уже у дежурного врача! И тут дело совсем не в вашем самочувствии, ведь цветы на Новой сцене принимают в кабинете дежурного врача, с правой стороны, до лестницы, ведущей в зрительный зал.

Сейчас по правилам театра букеты не выносятся на сцену после спектакля, а доставляются артистам сразу в гримерки. Такое нововведение связано с эпидемиологическими ограничениями в театре, но хочется верить, что сей торжественный момент будет возвращен в будущем.

Гардероб

Театральный сезон проходит преимущественно в холодное время (примерно с сентября до августа), посему дальше шествуем в гардероб. Ранее гости театра располагали возможностью брать в аренду бинокли, что давало возможность после спектакля проходить, минуя очередь. Сейчас БТ выдает бинокли в аренду, но это уже не связано с гардеробом. Не забудьте пожертвовать небольшую денежку на чай (50-100 руб.), ведь эти люди на протяжении часов следят за вашими вещами.

Буфет

Далее следует спланировать, как вы проведете время антракта. Наверняка у многих возникал вопрос, что это за «випы» сидят за накрытыми столами в буфете театра. Вы тоже можете быть VIP, для этого необходимо до спектакля сделать заказ, оплатить его и указать столик, который вам приглянулся. Важно помнить, что в буфете БТ принимают преимущественно наличный расчет (за редким исключением), поэтому, друзья, озаботьтесь этим вопросом заранее.

По итогу во время антракта, не тратя ни минуты на очередь, вы сможете насладится бокалом шампанского с фруктами, либо другой запланированным вами заказом. Но увлекаться все же не стоит – слушайте предупредительные звонки, после третьего гасят свет и в партер/амфитеатр вас уже не пустят, в лучшем случае разрешат подняться на парочку ярусов выше и досматривать спектакль оттуда. Советуем не пренебрегать этим правилом, служащие театра неумолимы! Исключение может коснуться вас только в том случае, если места расположены в ложах, но и это не является гарантией. Все-таки стоит соблюдать театральный этикет, уважая артистов, и не опаздывать на спектакль. Те же правила действуют в случае вашего опоздания на начало спектакля.

МЕНЮ

КРЕПКИЕ НАПИТКИ

МЕНЮ

ХОЛОДНЫЕ ЗАКУСКИ

Фото- и видеосъемка в театре

Все мобильные устройства администрация театра просит выключать. Никто, конечно, не проверяет, но если ваш телефон зазвонит, вы неминуемо будете распяты неодобрительными взглядами окружающих театралов.

По правилам театра снимать фото/видео во время спектакля категорически нельзя. Но, кому же не хочется заснять царивший восторг?

В законодательстве РФ нет нормативно​-правового акта, запрещающего съемку в театре, музее или общественном месте. Соответственно, сотрудники театра не могут требовать удалить фото или выгонять за съёмку из зала.

Запрет распространяется только на авторское право, на материалы используемые с целью извлечения выгоды (ст 12,​ 1252 Гражданский кодекс РФ). Если докажете, что снимаете для себя, то запретить делать фотографии (естественно, без вспышки) не могут. Но и здесь есть нюанс: снимать, возможно, никто не вправе вам запретить, другое дело использовать материал в соц. сетях. Хотя, на практике, если речь не идёт об использовании в коммерческих целях вряд ли театр в нервном припадке будет судиться с вами, физ. лицами).

Есть категория людей, которые желают получить на память​ фото- или​ видео-фрагменты спектакля, чтобы рассказать родным и близким или сохранить на память посещение Большого театра, возможно, единственный раз. Мы не рекомендуем этого делать, но...

Как вы знаете, мы иногда снимаем для вас маленькие фрагменты выступления, чтобы вы прониклись атмосферой и эмоциями. Делаем это тайно, стараясь максимально уважать театралов. Для себя вывели несколько пунктов, как не побеспокоить своей съемкой зрителей и капельдинеров:

Идея о запрете съемки, безусловно, имеет благородную основу, но на злобу дня, отметим, зачастую неотступное преследование со стороны стражей театрального порядка отвлекает зрителей больше, нежели «корректная съемка».

Слушайте знаки театра. В частности, для зрителя мало знакомого с музыкальным театром, на всех спектаклях присутствуют клакеры, это люди, которые сидят в общем зале и подают сигнал, когда на сцене появляется известный артист или исполнена сложная комбинация. В эти моменты, как правило, именно они поджигают чеку аплодисментов и кричат «Браво!». Не стесняйтесь присоединиться.

Отключить звуковые эффекты камеры



Приглушить свет экрана



Прикрыть экран рукой, так как многих беспокоит свет в тёмном зале

Фотографировать без вспышки



Пониже опустить фотоаппарат или телефон, чтобы он не бликовал



Стараться не нарушать комфорт соседей

Этикет

Уважаемый зритель, по окончании спектакля, не спешите бежать сломя голову на вокзал или на такси. В среднем около 3-х часов артисты выкладывались на сцене для вас, демонстрируя свою волю и талант.

Побудьте с ними еще несколько минут, это 21 век – очередь в гардероб проходит очень быстро, позвольте исполнителям почувствовать отдачу. Артисты выходят обычно 3-4 раза на поклон, оставайтесь на местах как минимум 2 раза.

Экскурсии в Большой театр

Мало кто знает, что в Большой театр можно попасть, не посещая при этом спектакль. Театр проводит экскурсии, которые сопровождаются осмотром зрительного зала и фойе театра, а также рассказом об истории и архитектуре.

Билеты продаются на сайте театра. Экскурсии проводятся по четвергам. Сбор перед экскурсией осуществляется около подъезда №12 Исторической сцены.

Как добраться в театр и где припарковаться. Адреса, пароли и явки

На машине: лучше всего припарковаться у театра на городской парковке. Мы обозначили ее на схеме ниже. Лучше приезжать заранее, минимум за 30 минут, так как количество мест ограничено. Стоимость парковки по состоянию на 2021 год – 300 руб. в час.

Еще одна опция – парковка ТЦ «Модный сезон» через дорогу от Большого театра.

Кассы театра:

В административном здании
(слева от выхода из метро; станции «Охотный ряд»/«Театральная»).
Время работы: с 11:00 до 20:00
(без перерыва, без выходных).

Касса в здании Новой сцены
Время работы: с 11:00 до 20:00
(перерыв с 14:00 до 15:00, без выходных).

Касса в здании Исторической сцены
Время работы: с 11:00 до 20:00
(перерыв с 16:00 до 18:00, без выходных).

Касса в здании Камерной сцены им. Б.А. Покровского
(ул. Никольская, д. 17/1)
Время работы: с 11:00 до 20:00
(перерыв с 14:00 до 15:00, без выходных).



В дни проведения утренних спектаклей кассы, расположенные в зданиях Новой и Исторической сцен, открываются в 10:00. За один час до начала спектакля кассы работают только для продажи билетов на предстоящий спектакль.

Служебный вход Большого театра

Если у вас есть желание лично выразить свою благодарность артисту, взять автограф, вручить ему подарок или просто поглазеть (такое тоже бывает), после спектакля вы можете наведать к служебному входу. Расположен он у 5 подъезда. Не бойтесь войти внутрь и расположиться на удобных кожаных диванчиках. Поверьте, вы будете там не одиноки.

Артисты выходят обычно через 30-40 минут после спектакля (в этом вопросе все очень индивидуально). Вы можете не стесняться – обычно они с радостью выслушают вас и сфотографируются или распишутся на программках. Если вам кажется это неуместным, отбросьте все сомнения – артистам очень приятно услышать отклик на их титанический труд на сцене.

Приятные скидки
для начала/продолжения вечера

Некоторые заведения предоставляют бонусы для посетителей Большого театра.



Ресторан BOLSHOI дарит скидку 10% после посещения спектакля, для ее получения следует предъявить билет.
ул. Петровка, д. 3/6, стр.2



Ресторан SAVVA при предъявлении билета в Большой театр угостит гостей театра бокалом просекко по средам.
Театральный проезд, д.2

БАЯДЕРКА

Факты:
- «Баядерка» (1877 г.) — последний трагический балет Мариуса Петипа
- «Баядерка» Петипа во многом перекликается с балетом «Сакунтала», поставленным его братом Люсьеном Петипа для балета Парижской Оперы в 1858 году

Перед нами настоящий шедевр балетного искусства, ставший своеобразным переходом от романтизма к классицизму. Во времена Петипа Индия часто описывалась в романтических произведениях и являлась для всего мира примером неизведанной экзотики и даже мистики.
Действие спектакля происходит в Древней Индии. Для понимания сюжета важно уточнить, что баядерками называли девочек, которых в детстве обучали служению в храме и сакральному искусству танца для участия в религиозных церемониях.
Главные герои балета — индийская танцовщица Никия и храбрый воин Солор, тайно влюбленные друг в друга. Они планируют побег, что позволит им быть вместе. Но на пути влюбленных масса препятствий: это великий Брамин, мечтающий соблазнить Никию и отвергнутый ей, и Раджа, который хочет выдать за Солора свою дочь.

«Баядерка» — красивая история о любви, верности и предательстве, «приправленная» как колоритными восточными характерными танцами, так и классическими академичными вариациями. Особое внимание стоит уделить 3-му акту и сцене «Теней». Картина «Тени» — идеальное воплощение абсолютного классицизма, в ней задействовано 32 танцовщицы, синхронно выполняющих бесконечные арабески.

За всю историю постановки развязка сюжета претерпевала множественные изменения. Сейчас в БТ финал достаточно трагичен, но, по аналогии со многими известными произведениями, несет в себе образы прощения и искупления.

Балет состоит из трех действий, что для неопытного зрителя может оказаться непростым испытанием, но если вы останетесь до финала, вы точно не пожалеете.

Премьера в Большом театре: 20 марта 2014 г.
Музыка Фредерика Шопена
Хореограф Джон Ноймайер
Либретто по мотивам одноименного романа Александра Дюма
Длительность 3 часа 5 минут с двумя антрактами

Факты:
- В основе известной оперы «Травиата» лежит тот же роман А. Дюма
- Название выбрано неслучайно: по сюжету Маргарита болела туберкулезом, и запахи вызывали приступы кашля. Как известно, камелии не пахнут
- Музыка Шопена, по мнению постановщика, наделена печальной фатальностью, ведь композитор и сам страдал от заболевания легких

Балет в трех действиях, большую его часть составляют воспоминания разных людей, тем самым изображаются несколько точек зрения на произошедшее. Точно подобранный Ноймайером прием в виде параллели между судьбами влюбленных и героями «балета в балете» «Манон Леско» усиливает драматический элемент и ощущение роковой неизбежности. Никто из героев не желает принять свою схожесть с персонажами балета. Манон, как очевидное отражение и предзнаменование ее трагичной кончины, неумолимо преследует Маргариту.
На сцену перенесен образ реальной женщины, а не вымышленного персонажа, декорации тоже выполнены в жанре реализма, особенно популярном во Франции тех лет.

В Маргарите сочетается много спорящих между собой востребованной красавицы до одинокой увядающей женщины. Ее личность также претерпевает радикальные изменения, связанные с любовными чувствами, жертвами и болезнью.

Важно понимать, что отец во втором действии приходит к Маргарите, руководствуясь не только нравственными противоречиями, но и вопросами материального характера.

Дело в том, что содержание куртизанки требовало внушительных денежных затрат. Арман Дюваль, дворянин по происхождению, человек среднего достатка, не был в состоянии самостоятельно обеспечить Маргариту, но делить ее с другими отказывался. Отец, предвидя скорый финансовый крах сына и запятнанную репутацию в обществе, просит куртизанку оставить его. Немое благородство и жертва любви со стороны Маргариты воспринимаются Арманом как обида. Он мстит, о чем будет сожалеть в дальнейшем.

ДАМА С
КАМЕЛИЯМИ

Премьера в Большом театре действующей редакции: 2 февраля 2016 г.
Музыка Людвига Минкуса
Либретто Мариуса Петипа по мотивам одноименного романа Мигеля де Сервантеса
Хореография Мариуса Петипа, Александра Горского
Новая хореографическая редакция Алексея Фадеечева
Длительность: 3 часа с двумя антрактами

Факты:
- Создание балета было приурочено к бенефису танцовщицы Анны Собещанской
- Премьера состоялась в Москве в 1896 году

«Дон Кихот» — единственный известный классический балет, местом рождения которого стала Москва, а не Петербург или Европа. Надо отметить, что в то время московская труппа была в весьма плачевном состоянии. Несмотря на это, в Большой «выписали» Мариуса Петипа, и он впервые согласился. До этого он всегда отвечал отказом. Говорят, на этот раз стимулом могло стать знакомство 50-летнего Петипа с 16-летней артисткой кордебалета, которая три года спустя стала его женой.
«Дон Кихот» считается визитной карточкой московского балета. Он был показан на сцене Большого театра почти 1000 раз.
Несмотря на то, что сюжет основан на романе Сервантеса, главные герояи здесь другие: Китри (дочь трактирщика) и Базиль (цирюльник). Вокруг незамысловатой сюжетной линии строятся многочисленные характерные танцы — цыганские, испанские, — зрителя ждет встреча с тореадорами и уличными танцовщицами. И все это под зажигательную музыку Людвига Минкуса, под которую ноги сами несутся в пляс. При этом балет наделен и красивой академичной сценой «Сна Дон Кихота» для любителей классики. академичной сценой «Сна Дон Кихота» для любителей классики.
Нынешняя редакция балета не раз подвергалась критике, особенно это касалось более темных декораций и костюмов, которые в сравнении с предыдущей версией кажутся зрителям мрачными. Но даже учитывая этот факт, по нашему мнению, и декорации, и костюмы весьма удачно передают стиль и атмосферу Андалузии, городского веселья и вечного праздника.

ДОН
КИХОТ

Мировая премьера постановки П. Лакотта состоялась 5 мая 2000 г.
Музыка Цезаря Пуни
Либретто Жюля-Анри Вернуа де Сен-Жоржа и Мариуса Петипа по повести Теофиля Готье «Роман мумии», редакция Пьера Лакотта
Хореография Пьера Лакотта (по мотивам одноименного балета Мариуса Петипа)
Длительность: 2 часа 45 минут с двумя антрактами

Факты:
- Первый большой балет Мариуса Петипа
- Первая мировая премьера с момента распада СССР

Пьер Лакотт — известный любитель восстановления утраченных танцев и реставратор забытых шедевров. Впервые балет об ожившей египетской мумии был представлен публике в 2000 году, но затем канул в «архивные» постановки. В 2012 году спектакль вновь появился в репертуаре БТ — и снова ненадолго. В 2018 году состоялось третье его возрождение, посвященное 200-летию Мариуса Петипа.
Либретто строится на сказочном сюжете: молодой английский лорд путешествует со своим слугой по Египту. Укрываясь от бури, они попадают в усыпальницу дочери фараона и находят ее мумию. Купцы угощают лорда сомнительным зельем, и он проваливается в видение, где просыпается египетским юношей, а мумия оживает и предстает молодой красавицей Аспиччией…
«Дочь фараона» — помпезный грандиозный спектакль, красочный и яркий, с большим количеством афишных партий. Он чрезвычайно подходит труппе Большого театра, поскольку именно в таких постановках виден как на ладони первоклассный уровень труппы — как ведущих артистов, так и кордебалета.

Действие «Дочери фараона» происходит во сне, и это дает авторам размах для фантазии.

Здесь и экзотические животные, и ожившие реки, и бесконечные шествия артистов кордебалета.

Насыщенный яркими, иногда даже слишком сказочными сюжетными линиями, постоянной сменой колоритных костюмов, а также сложной мелкой техникой и бесчисленным количеством вариаций главных героев, балет может быть интересен даже детям (впрочем, весьма усидчивым, если обратить внимание на продолжительность).

ДОЧЬ
ФАРАОНА

Премьера в Большом театре состоялась 5 мая 2012 г.
Длительность: 2 часа 30 минут
Изумруды — на музыку Габриэля Форе
Рубины — на музыку Игоря Стравинского
Бриллианты — на музыку Петра Чайковского
Хореография Джорджа Баланчина

Факты:
- Впервые представлен труппой New York City Ballet в New York State Theatre 13 апреля 1967 г.
- Идея балета возникла у Баланчина при знакомстве с ювелиром Клодом Арпельсом, а вдохновением послужила коллекция Van Cleef & Arpels

«Драгоценности» представляют собой балет из трех частей на музыку трех композиторов. При этом костюмы исполнителей напоминают драгоценности: изумрудные шопенки в первой части, красные огненные костюмы во второй и переливающиеся при свете софитов классические белые пачки в третьей части. Баланчин признавался, что хотел также включить «сапфиры», но их цвет было сложно воспроизвести на сцене.
Первая часть «Изумруды», по словам самого Баланчина, была навеяна его воспоминаниями о Франции, ее элегантности, комфорте, моде и духах. Здесь задействованы две ведущие пары, трое солистов и кордебалет из десяти артисток.
Вторая часть «Рубины» изображает Америку. Это самая зажигательная часть триптиха Баланчина: здесь чувствуются размах и веселье вечеринки, а танец плещется, как дорогое вино в бокалах. Задействованы ведущая пара танцовщиков, солистка и кордебалет.
Венчает балет третья часть, самая помпезная и академичная, — «Бриллианты» на музыку Чайковского. Эта часть ассоциативно больше больше других отсылает зрителя именно к русскому балету, а выбор камня — это своего рода дифирамбы русской классике, которая, несомненно, является одной из главных драгоценностей мировой хореографии.

Кому стоит посмотреть «Драгоценности»? Точно не новичку. Если вы интересуетесь творчеством Баланчина или обожаете бессюжетные балеты, то вам сюда. В противном случае, будьте осторожны в выборе: вам может стать скучно.

Несмотря на это, весомый плюс «Драгоценностей» — россыпь ведущих артистов, задействованных в этом балете. Мало в каком спектакле на одной сцене можно увидеть сразу несколько прим и премьеров.

ДРАГОЦЕН
НОСТИ

Балет Джорджа Баланчина в трех частях

ЖИЗЕЛЬ

Премьера состоялась 2 мая 1987 г.
Музыка Адольфа Адана
Либретто Теофиля Готье и Жюля-Анри Вернуа де Сен-Жоржа
Хореография Жана Коралли, Жюля Перро, Мариуса Петипа
Длительность: 2 часа 25 минут с одним антрактом

Факты:
- Название спектакля и имя главной героини происходят от германского слова gisil, означающего «заклад», «залог»
- Сразу после премьеры балета прическа с пробором по центру, которую носила главная героиня, стала настоящим хитом среди парижских модниц

Либретто создал Теофиль Готье по мотивам легенды о вилисах, записанной Генрихом Гейне. В эпоху романтизма большой популярностью пользовались подобные мистические истории с духами и демоническими сущностями.
Известно, что в основе этого всемирно известного балета лежит старинная легенда о «вилисах» — невестах, не доживших до свадьбы. По этой легенде, в полночь они поднимаются из могил и танцуют. Если же им в разгар плясок встретится мужчина, то ему несдобровать. Вилисы заставляют его танцевать до изнеможения, пока он не умрет.
Балет был представлен французской публике в 1841 году и сразу снискал успех зрителей. Микс из романтичной истории любви и мистической легенды о вилисах удачно вписывался в эпоху. И даже когда романтизм приказал долго жить, спектакль не только не канул в анналы истории, но и превратился в легендарный балет, символ классицизма и вершину романтического танца. В 1884 году сюжетом балета вдохновился молодой Пуччини и создал оперу «Вилисы».
Образ Жизели — один из самых многогранных в истории балета. От того, как балерина передаст двойственность сущности Жизели — живой любящей девушки и призрачной вилисы, — что выведет на первый план, полностью меняется образ героини. Первой Жизелью стала Карлотта Гризи: ее миловидный облик и голубые глаза вдохновили композитора и хореографа на создание балета. Эталонными исполнительницами этой роли в ХХ веке стали Анна Павлова, Тамара Карсавина, Марина Семенова и Галина Уланова.
На сцене Большого театра балет «Жизель» шел с 1944 года в редакции Л. Лавровского. В 1987 году новую редакцию создал Юрий Григорович.

По нашему мнению, «Жизель» — исключительный пример постановки, которая остается актуальной и свежей для восприятия и по сей день, причем как в канонической версии Григоровича, так и в обновленной редакции Ратманского, о которой мы поговорим дальше. Балет чрезвычайно хорош и для заядлого театрала, и для новичка: он не затянут, а мизансцены очень хорошо читаются. К тому же кордебалет вилис Большого театра — зрелище исключительно прекрасное.

в редакции Ю.Григоровича

ЖИЗЕЛЬ

Премьера в Большом театре: 21 ноября 2019 г.
Музыка Адольфа Адана
Хореография Жана Коралли, Жюля Перро, Мариуса Петипа
В редакции хореографа Алексея Ратманского
Длительность 2 часа 20 минут с одним антрактом

Факты:
- В Большом театре одновременно идет две редакции этого балета: Ю.Н. Григоровича и А.О. Ратманского
- Для реконструкции использовано много источников, Ратманский собирал их почти год

Общая идея осталась нетронутой: юная бедная девушка, любящая танцевать, влюбляется в Лойса (настоящее имя Альберта), не ведая, что он высокого происхождения. Ревнивец Ганс, проследив за Альбертом, выясняет, что он не простой человек, да еще и помолвлен. Ганс разоблачает графа. Жизель сходит с ума и погибает от разрыва сердца. Во втором акте Жизель превращается в вилису. Другие вилисы мстят всем мужчинам, они уже стали причиной смерти Ганса, настала и очередь Альберта, однако Жизель спасает его.
Новая версия явилась миру менее романтизированной и наивной, персонажи более реальны. С первой сцены Жизель уже знакома с Альбертом, они влюблены. Ранее постановщики своими подсказками подталкивали зрителя к кончине Жизели: то мать платочком протирала лоб дочери, то она неожиданно хваталась за больное сердце. В новой редакции намеков почти нет, хотя появляется монолог Берты (мать Жизели), повествующий о легенде о сказочных существах, девушках, умерших до свадьбы, заставляющих мужчин танцевать до смерти, — он оказывается предсказанием. Ранее такого никогда не было ни в одной редакции.

Кроме того, персонаж лесничего Ганса становится темпераментнее, даже агрессивнее. Альберт предстает более искренним в своей любви, в отличие от прошлых постановок.

Балет собран Ратманским по крупицам, восстановлено многое из оригинального хореографического текста. Кроме того, постановщик изменил музыкальные акценты и увеличил темп, что существенно усложнило задачу танцовщикам. Дело в том, что раньше артисты танцевали быстрее, но по мере совершенствования и усложнения балетных па темп становился медленнее. Сохраняя современный стиль исполнения, постановщику удалось добиться ускорения, и обновленный балет смотрится динамичнее.

в редакции А.Ратманского

Премьера в Большом театре: 4 апреля 2019 г.
Музыка Джоби Тэлбота
Хореография/либретто Кристофера Уилдона
По мотивам одноименной пьесы Уильяма Шекспира
Длительность: 2 часа 40 минут с одним антрактом

Факты:
- Балет посвящен отцу Кристофера Уилдона, скончавшемуся в год мировой премьеры в 2014-м
- В 2015 году на фестивале Benois de la Dance Кристофер Уилдон получил премию за этот балет как лучший хореограф

«Зимнюю сказку» Шекспира на балетной сцене никто не ставил, но Уилдон сумел сплавить воедино трагедию и комедию, реальность и вымысел, курсируя между прошлым и настоящим.
Пьеса Шекспира перенесена на балетную сцену с минимальными отступлениями. Для балетной постановки сюжет считается сложным, помимо множества происходящих событий, действие насыщено метафорами и другими литературными приемами.
В центре картины находится мужской персонаж, с которым на протяжении спектакля проходят существенные метаморфозы. Драматическая сложность партии Леонта заключена в частых и резких сменах настроения героя, а также его восприятии жизненных ситуаций. Одна из ярчайших сцен в первом действии — паук, вползающий в его сердце, который словно кинжалами пронзает тело, — выразительная аллегория ревности. Интересная параллель проведена между поведением друзей-королей: в начале картина сбалансирована наличием положительного и отрицательного мужских персонажей, а в третьем действии они меняются ролями, что в некоторой степени приблизило их понимание друг друга.
Следует обратить внимание и на женские партии. Гермиона, жена Леонта, — олицетворение добра, нравственности и безропотности, героиня ощущается неземной. Несмотря на сравнительно небольшой объем хореографического текста (она появляется в первом и в конце второго действия), партия емкая и яркая. Важный персонаж, раскрывающий личность Леонта более полно, — Паулина, придворная дама Гермионы, воплощение справедливости и совести, сопровождает короля на протяжении всех сложных лет и ведет его по пути искупления. Полюбившие друг друга Утрата и Флоризель символизируют надежду на любовь и примирение, выступают связующим звеном между королями. Неспроста самые яркие декорации представлены именно с момента их появления. Даже имя Утраты метафорично, помимо того, что сама девушка в младенчестве была потеряна, вместе с ней были утрачены жизнь, любовь и надежда.

Сценография и музыка идут в крепкой связке и полноценно отражают события и переживания героев, будь то нервный король, превративший свой замок в мрачное пристанище, или юные влюбленные, грезящие о счастливом будущем.
Команда авторов создает в постановке потрясающие сценографические эффекты. Время, как персонаж, изображено деревом: в начале первого акта оно усыпано зелеными листьями и постепенно сбрасывает листву.

Одна из находок второго акта — псевдонациональные танцы под звучание этнических и традиционных инструментов.
Художник по костюмам Боб Краули одевает артистов в струящийся шелк, свой любимый материал, передавая легкость и метафоричность героев, и смешивает разные костюмы из разных времен. Так, килт он смело комбинирует с футболками и брюками.

ЗИМНЯЯ
СКАЗКА

Премьера состоялась 20 февраля 1975 г.
Возобновление постановки в новой редакции — 8 ноября 2012 г.
Музыка Сергея Прокофьева
Либретто Юрия Григоровича
Хореография Юрия Григоровича
Длительность: 2 часа 20 минут с одним антрактом

Факты:
- В основу балета была положена музыка Сергея Прокофьева к знаменитому кинофильму Сергея Эйзенштейна «Иван Грозный»
- После ухода из Большого театра хореограф сделал редакции «Ивана Грозного» для Кремлевского балета, а позже — и для краснодарского «Балета Юрия Григоровича»

Самый загадочный и, пожалуй, недооцененный балет маэстро Ю. Григоровича. Думается, что широкому зрителю он не очень известен: он не часто стоит в репертуаре, практически не рекламируется. И это катастрофическое упущение!
Это действительно неожиданная тематика для балетной сцены: если оперу на такую историческую тему вы можете себе представить, то как подобное станцевать? Действительно, хороший вопрос. Наверное, поэтому исполнителей «Ивана Грозного» на данный момент очень мало.
Тематика постановки — молодой Грозный в период его правления, его женитьба на Анастасии, взятие Казани, словом, все то, что было до опричнины. Либретто Григоровича здесь заточено именно на драму и психологический конфликт героя. Каждое действие и образы чрезвычайно символичны — будь то нити звонницы, опутывающие царя в финале, или танец Ликов смерти и Вестников победы.

На глазах у зрителя происходит превращение молодого царя в мстительного тирана. Заговор и убийство любимой женщины превращают его в того «Грозного», о котором мы читаем страшилки.

Параллельно разворачивается трагедия князя Андрея Курбского, вынужденного стать эмигрантом, чтобы избежать расправы.
Балет при этом наполнен зубодробительной хореографией, прыжками, массовыми танцами, лирическими дуэтами. Исполнители «Большого» поистине шедевральны — у каждого свой незабываемый Грозный. А в роли Анастасии есть шанс увидеть бестелесную Светлану Захарову.

Если вы задумывались, на какой балет отвести своего мужа, — «Иван Грозный» один из вариантов. Мы можем гарантировать вам беспрецедентное удовольствие от просмотра.

ИВАН
ГРОЗНЫЙ

Мировая премьера состоялась 21 июня 2007 г.
Музыка Адольфа Адана
Либретто по пьесе Жюля-Анри Вернуа де Сен-Жоржа и Жозефа Мазилье в редакции Мариуса Петипа
Хореография Мариуса Петипа
Постановка и новая хореография Алексея Ратманского и Юрия Бурлаки
Спектакль идет 3 часа 35 минут с двумя антрактами

Факты:
- «Корсар» лорда Байрона был издан тиражом 13000 экземпляров и продан почти за день
- Создатели балета при его возобновлении отыскали оригинальную партитуру в Национальной библиотеке Франции

Классических балетов в мировой истории не очень много — около дюжины. «Корсар» — яркий представитель той самой классики. Мариус Петипа уже давно ассоциируется именно с русским балетным театром. Можно сказать, это наш «балетный Пушкин». В связи с этим обстоятельством большинство хореографов стараются по возможности сохранить его наследие, а новые редакции лишь уважительно дополняются деталями.
«Корсар» является олицетворением романтического театра. История о пиратах, погонях, рабстве, любви, заговорах и кораблекрушениях. Эдакие «Пираты Карибского моря» прошлых столетий. Авантюрно-приключенческий и полный экзотического колорита балет поражал воображение зрителей с 1856 года. Это неудивительно, ведь разбойники всегда привлекают особое внимание на сцене или в фильмах. В этом спектакле есть некоторая наивность, четкое распределение персонажей на «хороших» и «плохих» парней.
В былые времена каждый балет щедро снабжался пантомимой. Она была настолько распространена, что зритель на уровне языка жестов понимал, что хочет сказать герой. Со временем этот элемент утратил свое значение, поэтому современный зритель не владеет пантомимным языком в полной мере. Отсюда возникло желание Ратманского и Бурлаки сократить и упростить пантомиму в «Корсаре». Она, конечно, осталась, но уже не имеет первостепенного значения.

Центральная хореографическая сцена «Корсара» — «Оживленный сад». У Петипа это своеобразное хореографическое воплощение рая, где симфония из линий и па венчается вариациями балерин.
Несмотря на бойкий динамичный сюжет и чрезвычайное многообразие танца и костюмов, мы советуем быть внимательным при выборе этого балета. Даже при том, что в новой редакции он сильно сокращен, его продолжительность достигает 3,5 часов, а значит вам придется проявить феноменальную усидчивость, даже если вы сильно вовлечены в процесс.

КОРСАР

Премьера в Большом театре действующей редакции 2 марта 2001 г.
Музыка Петра Чайковского
Хореография/либретто Юрия Григоровича (с использованием хореографии Мариуса Петипа, Льва Иванова, Александра Горского)
По мотивам сценария Владимира Бегичева и Василия Гельцера
Длительность: 2 часа 40 минут с одним антрактом

Факты:
- Балет написан по заказу Дирекции Императорских театров в 1876 г., тогда такие по постановки не были особенно популярны. Композитор принял заказ исключительно из-за материальных трудностей: гонорар оказался внушительным и составил 800 рублей
- Одетту/Одиллию раньше исполняла не одна, а две разные исполнительницы (ред. А.Я. Вагановой)

Трагическая история о молодом принце и прекрасном лебеде. Он достиг совершеннолетия, теперь его ждет взрослая жизнь, но сердце его полно романтичных идеалов и мечтаний. Повстречав прекрасную девушку-лебедя, молодой человек клянется ей в вечной любви. Позже он оказывается в плену собственного обмана, чужого заговора и влюбляется в двойника возлюбленной. Расплата за нарушение клятвы — они разлучены навсегда.
Главная женская партия крайне сложная, так как на долю одной исполнительницы выпадает два противоположенных образа в одном спектакле. Абсолютное перевоплощение возможно наблюдать крайне редко, чаще балерине удается выражение лишь одного образа.
В предыдущих редакциях представителем темной стороны был Ротбарт — колдун и отец Одиллии, в нынешней же версии

Григоровича такой персонаж отсутствует. Вместо него вводится Злой гений: несмотря на внешнее сходство, персонажи имеют совершенно разное назначение. Ранее с помощью Ротбарта подчеркивалась сказочность сюжета. Злой гений же, олицетворяя темную сторону самого принца, выражает внутренний конфликт личности. Внутренние метания молодого человека, сотворение любовных идеалов и последствия неверного выбора — это первые признаки философии романтизма в балете.

Танец невест принца, с одной стороны, является дивертисментом (украшением) спектакля, а с другой — благодаря политическому подходу в выборе подходящей партии для принца наглядно разделяет реальную жизнь и зачарованный мир, что являлось важным критерием для романтического балета. То же можно наблюдать и в сценографии. Слушайте музыку, друзья, она является главной декорацией спектакля и безошибочно передает психологическую обстановку.

Балет — венец классики, академичен, не подходит для зрителя-новичка, рекомендуем к осмысленному просмотру более опытной аудитории.

ЛЕБЕДИНОЕ
ОЗЕРО

Премьера в Большом театре: 15 апреля 1965 г., возобновлен: 23 октября 2014 г.
Музыка Арифа Меликова
Хореограф-постановщик: Юрий Григорович
Либретто: Назым Хикмет/ Юрий Григорович
Длительность: 2 часа 50 минут с двумя антрактами

Факты:
- Версия «Легенды» Хикмета была написана в турецкой тюрьме

Царица Мехмене Бану жертвует своей красотой для спасения жизни умирающей сестры. Позже сестры встречают Ферхада, в сердцах Ферхада и Ширин вспыхивает чувство, Мехмене сгорает от ревности. Влюбленные бегут из дворца, царица догоняет их и обещает отпустить при условии, если Ферхад пробьет гору и добудет людям воды. Ферхад жертвует собой.
Спектакль можно смело отнести к лучшим работам Григоровича с точки зрения этнической хореографии и режиссуры. Балет относится к категории обязательных для просмотра и подходит для любого зрителя. Классическая хореография обогащена разнообразием жестов, что облегчает понимание зрителя. Следите за руками — в этом спектакле они особенно много могут рассказать. Мехмене Бану — самый искренний персонаж в «Легенде», неспроста балет поставлен таким образом, что оголенные чувства царицы вынесены на первый план. Способность к самопожертвованию и любви, ужас осознания совершенного выбора, страсть и ревность. Тон спектакля задают противоречия чувств и мощный характерный кордебалет.
Одна из самых драматичных сцен: царица, отдав красоту, видит себя в зеркале, которое расположено так, что зритель не может наблюдать то же, что и она, и ему остается лишь додумать, основываясь на ее реакциях. Самая эротичная сцена представлена в 3-м действии: Мехмене мечтает о любви Ферхада, будто призывает и желает его, четкость восприятия достигается символичным хореографическим текстом.

Постановщиком избран прием остановки времени — трио героев, в котором каждый танцует свою вариацию и двигается в собственном ритме — это важные картины. В момент, когда время замирает, происходящее с героями — это их мысли. Иногда они сходятся и снова распадаются, в этих сценах наглядно преподнесены конфликт и проблема любовного треугольника. Важны и тона костюмов, которые подсказывают зрителю состояние героев и атмосферу.

Яркие, царственные цвета повествуют о положении и эмоциональном состоянии царицы. Ферхад и Ширин неспроста одеты в серые и голубые цвета: они сочетаются между собой, так же, как их сердца бьются в унисон. Вторая важная подсказка — это цвета, символизирующие воду, а недостаток воды — лейтмотив и вторая главная проблема в спектакле.

ЛЕГЕНДА
О ЛЮБВИ

НУРЕЕВ

Мировая премьера: 9 декабря 2017 г.
Музыка Ильи Демуцкого
Хореограф: Юрий Посохов
Режиссер: Кирилл Серебренников
Длительность: 2 часа 30 минут с одним антрактом

Факты:
- Накануне премьеры спектакль был отменен, официальная причина — «не готов»

Весь спектакль — эпизодическая биография жизни Рудольфа Нуреева, создатели не стремились к протокольному описанию судьбы Руди. Спектакль выстроен вокруг предметов из сценической и личной жизни Нуреева, распроданных на аукционах Сhristie’s в Париже и Нью-Йорке.
Важно обратить внимание на портреты на стене: сменяются режимы и правители, в то время как портрет Агриппины Вагановой остается нетронутым. Демонстрируется факт, что при любой власти Академия стоит особняком.
«Улица Росси» — местоположение Академии. Хореографическая ломка духа наглядно повествует о скрипучем механизме коммунистической системы, музыкально акцентирует внимание на существующих сбоях в устоях Красной политики. Железный занавес, пролетариат танцует свою роль, известный «прыжок в свободу» Нуреева.
Булонский лес — огромный парк на окраине Парижа, известный своей привлекательностью для молоденьких девушек, ориентированных на легкий заработок, а также сексуальных меньшинств в тайских традициях. На контрасте с вакуумом коммунистов раскрепощенный танец трансвеститов завораживает как героя, так и зрителя.

Письма к Руди — крайне проникновенные сцены. Письма помогают зрителю увидеть Нуреева глазами тех, кто любил его за светом софитов.

Немалую роль в жизни и карьере Нуреева сыграла встреча со звездой мирового балета Марго Фонтейн — это был дуэт длиною в 20 лет. В хронологическом беспорядке эпизодов можно пропустить, что именно это слияние повлекло истинный триумф Нуреева.
Король Солнце: яркая аллегория в лице короля Франции Людовика XIV (основателя первой французской балетной школы) и Нуреева (прогрессивного новатора). Контратенор на фоне превозносит Короля Солнце. В эпоху барокко правители приглашали ко двору мужчин, поющих высоким голосом. Они — символ божественного.
Нуреев тратил баснословные средства на недвижимость, одним из его приобретений является архипелаг Ли-Галли. На контрасте режиссер иллюстрирует кромешное одиночество короля на одном из своих островов.

Картина «Тени». Нуреев показал исключительную значимость и диапазон возможностей мужского танца.

в редакции А.Ратмансого

Премьера состоялась 10 мая 2003 г.
Музыка Александра Глазунова
Либретто Юрия Григоровича на основе сценария Лидии Пашковой
по мотивам средневековых рыцарских легенд
Хореография Юрия Григоровича
Длительность: 3 часа с двумя антрактами

Факты:
- Сюжет «Раймонды» считается классическим образцом балетной нелепицы и основан на легенде о Белой даме, предупреждающей об опасностях и карающей за предательство
- Петипа на момент премьеры было уже 80 лет, а композитору Александру Глазунову — немного за 30, это был его балетный дебют

Сюжет спектакля строится вокруг юной Раймонды, племянницы графини, которая обручена с рыцарем Жаном де Бриеном. Пока мечтательная дама ожидает своего жениха из рыцарского похода, в замок внезапно наведывается сарацинский рыцарь Абдерахман и пытается завладеть сердцем Раймонды. Юная девушка почти поддается соблазну, но внезапно явившийся домой Жан де Бриен развеивает все ее сомнения и в поединке убивает Абдерахмана. В третьем действии вас ждут пышное праздненство и свадебные танцы. Занавес.
Заказ на «Раймонду» Глазунов получил в 1896 г. от директора Петербургских императорских театров, при этом времени на работу было отведено очень мало. Сценарный план разработал Петипа, а либретто писала Л. Пашкова — русско-французская писательница, которая благодаря своим связям часто получала заказы на балетные сценарии. По свидетельству современников она плохо владела русским языком, и творения ее, мягко говоря, не были гениальными.
В спектакле есть две ярких противоборствующих стороны: благородный мир рыцарей и прекрасных дам Средневековья и необузданный, в чем-то варварский мир Абдерахмана. Конечно же, не обошлось здесь без темы любви и верности.

Выбирая состав на «Раймонду», особое внимание уделите исполнительнице главной роли. Именно она будет перед вашими глазами большую часть из трех заявленных часов. «Раймонду» иногда называют «Спартаком» для балерины, имея в виду именно количество вариаций и длительность нахождения на сцене ведущей исполнительницы. У каждой ее вариации (а всего их пять) разная эмоциональная тональность и разное звучание.

Чем точно прекрасен сей балет, так это волшебной музыкой Глазунова. Достойна особого внимания вариация Раймонды в 3-м действии. Зажигательные сарацинские танцы во втором акте точно не дадут заснуть. Но вот вести на этот спектакль своего мужчину мы бы точно не советовали.

РАЙМОНДА

РОМЕО И ДЖУЛЬЕТТА

Премьера состоялась 26 июня 1979 г.
Капитальное возобновление постановки — 21 апреля 2010 г.
Музыка Сергея Прокофьева
Либретто по одноименной трагедии Уильяма Шекспира С. Прокофьева, С. Радлова, А. Пиотровского в редакции Юрия Григоровича
Хореография: Юрий Григорович
Длительность: 2 часа 20 минут с одним антрактом

Факты:
- Впервые Григорович поставил «Ромео и Джульетту» в Парижской опере на сцене Пале Гарнье в 1978 г.
- На проигрывании клавира Прокофьева к этому балету с каждым новым тактом музыки зал пустел: артисты были шокированы «нетанцевальной» музыкой балета и сочли новую постановку неперспективной

В воспоминаниях Григоровича о процессе постановки особое место уделено партитуре Прокофьева. Известна ее непопулярность в то время. Говорят, что оркестранты отказывались играть, хореографы не хотели ставить на нее сюжет, а даже возникали мысли о счастливом конце для шекспировской трагедии. Однако Григоровича это не смутило. При этом, выпуская свою версию, ему удалось оставить в репертуаре и предшествующую модификацию Лавровского, чего ранее никогда в практике не было.
Сюжет «Ромео и Джульетты» и трагические судьбы героев не нуждаются в пересказе и нашем вольном изложении. Уверены, что вы все знаете, о чем в спектакле пойдет речь. Возможно, поэтому для неподготовленного зрителя этот балет покажется понятным и приятным: ему не нужно будет детально разбирать либретто и «копаться» в мыслях постановщика. При этом сюжет развивается так быстро и стремительно, что не дает зрителю заскучать: действие пьесы начинается в воскресное утро, а в четверг ночью все уже кончено.

«РиДж» (как называют спектакль театралы) у Григоровича оформлен в мрачных, темных тонах. С первых сцен зрителю уже понятно, что перед нами трагедия. При этом суровый фон дополняется разноцветными яркими костюмами.
Балет, ввиду мировой известности первоисточника, подходит буквально каждому: подросткам, женщинам, мужчинам. А знаменитый «Танец рыцарей» в постановке Григоровича вы точно не забудете никогда.

К сожалению, после премьеры новой редакции «Ромео и Джульетты» в редакции А. Ратманского, о которой вы прочитаете далее, версия Григоровича еще ни разу не была показана на сцене театра, хотя и присутствует в репертуаре.

в редакции Ю.Григоровича

Премьера состоялась 9 апреля 1968 г.
Музыка Арама Хачатуряна
Либретто Юрия Григоровича по мотивам одноименного романа Рафаэлло Джованьоли и сюжетов древней истории (с использованием сценария Николая Волкова)
Хореография Юрия Григоровича
Длительность: 3 часа 5 минут с двумя антрактами

Факты:
- В 2001 г. в честь 225-летия БТ Банк России выпустил монету номиналом 100 рублей с изображением сцены из этого балета
- Григорович назвал свою постановку «спектаклем для четырех солистов с кордебалетом»

Шедевр Юрия Григоровича, недавно отметивший свое 50-летие на сцене БТ, — это один из тех спектаклей, которые заслуживают вашего наибольшего внимания.
Нас очень часто спрашивают, какой спектакль выбрать, чтобы пойти в театр в компании мужчины? Так вот — это «Спартак». Вы можете смело брать с собой мужа, сына, брата, друга — поверьте на слово, они будут восторженно смотреть на сцену все три часа. Но и женскую часть аудитории балет совершенно точно не оставит равнодушной.
Итак, что мы здесь имеем? Четырех равнозначных персонажей (два положительных, два — не очень), тяжелейшую выматывающую хореографию, массовые танцы, лирические дуэты, сольные вариации, наполненные читаемым смыслом. Вот это смесь! И вы точно не зря проведете три часа своей жизни, наблюдая, как Спартак

СПАРТАК

Премьера балета в новой хореографической редакции состоялась 18 ноября 2011 г.
Музыка Петра Чайковского
Либретто Ивана Всеволожского и Мариуса Петипа по мотивам сказок Шарля Перро
Хореография Мариуса Петипа (новая хореографическая редакция Ю. Григоровича)
Длительность: 2 часа 45 минут с одним антрактом

Факты:
- «Спящая красавица» — первый балет, увиденный Ю. Григоровичем. Позднее он сам исполнял в нем разные партии: от мазурки до Голубой птицы
- Именно этим балетом открывалась после реконструкции Историческая сцена Большого театра

«Спящая красавица», наряду с другими известнейшими балетами Чайковского, «Лебединым озером» и «Щелкунчиком», является одним из самых любимых и часто исполняемых произведений балетного искусства. Все три балета составляют «золотой фонд» лучших музыкальных театров. Это одно из самых светлых, оптимистичных произведений композитора, воспевающих победу добра, любви и жизни.
Идея балета возникла у директора Императорских театров Ивана Всеволожского. Будучи поклонником творчества Чайковского, он предложил композитору создать красивый сказочный спектакль по мотивам придворных французских балетов. Сценарий написал Мариус Петипа.
Чайковскому передали крайне подробно, почти по тактам расписанный план спектакля. Так, сцена, где Аврора колет
руку об веретено, была описана так: «2/4, быстро. В ужасе она больше не танцует – это не танец, а головокружительное, безумное движение словно от укуса тарантула!» Чайковскому удалось идеально выдержать все указания сценария и получить огромное удовольствие от работы.
Нынешняя редакция «Спящей красавицы» —уже третья работа Григоровича. Здесь он впервые работал в Большом театре с итальянским сценографом Эцио Фриджерио.
Сценографически Григорович и Фриджерио представили на сцене театр той эпохи, в котором разворачивается действие. Все декорации, кулисы, задник сцены типичны для театра XVII века. Мы видим на сцене настоящий дворец, а костюмы представляют собой настоящий справочник по истории костюма XVII и XVIII веков.

Это именно тот балет, который можно показать своим детям. Сказочный сюжет, присутствие известных с детства персонажей, таких как феи, Кот в сапогах, Золушка, Красная шапочка, делают спектакль живым, веселым, запоминающимся. Воистину, это один из самых помпезных балетов Большого театра на данный момент.
При просмотре вас может смутить скрип, возникающий во время танца. Это какая-то неведомая особенность покрытия пола, используемого для этого балета. К сожалению, до сих пор этот момент не удалось устранить.

И все же мы всегда рекомендуем этот балет к просмотру для ознакомления с «золотой» классикой жанра. Тот must see, который не заменить современными постановками.

СПЯЩАЯ
КРАСАВИЦА

ЩЕЛКУНЧИК

Премьера: 12 марта 1966 г.
Музыка Петра Чайковского
Хореограф-постановщик: Юрий Григорович
Длительность: 2 часа 15 минут с одним антрактом

Факты:
- Балетмейстером часто считают Мариуса Петипа, но из-за болезни он составил только общий план, чтобы Чайковскому было легче написать музыку. Ставил же танцы Лев Иванов, хотя существует мнение, что Лев и Мариус работали вместе.
- Во время революции оригинальная хореография Иванова была утеряна. Хоть как-то восстановить ее смог Николай Сергеев, режиссер и педагог.

Кто не слышал историю о Щелкунчике! Волшебная рождественская сказка повествует о зачарованном принце, которого может расколдовать лишь истинная любовь. Балет, который идеально подходит как для детей, так и для взрослых. Важной представляется идея рубежа, где кончается детство и начинается взросление, вероятно, поэтому этот спектакль не оставляет равнодушным никого. Сюжет, как и полагается, по-детски наивен, полон волшебства, какое способны увидеть лишь дети. И несмотря на то, что трагедия исключена, в конце все равно становится немного печально.
Первое, о чем стоит упомянуть, — это гениально написанная, словно картина, музыка Петра Чайковского. Можно говорить о том, что именно музыка в этом спектакле лучше декораций погружает зрителя и артиста в атмосферу сказки. Спектаклю предшествует долгая увертюра, иллюстрируя атмосферу, неформально подготавливает зрительское восприятие.

Внимательно слушайте увертюру, это способствуют пониманию всего спектакля.
Этот балет существует в разных редакциях, его ставили Александр Горский, Федор Лопухов, Василий Вайнонен, Юрий Григорович.
Среди классических версий редакция Григоровича поистине самая яркая и по хореографическим решениям, и по сценографии. Данный спектакль относится к категории тех, которые не обязательно детально разбирать: старайтесь прочувствовать магию происходящего. Все же обратим ваше внимание на декорации в виде увеличенных предметов, елочных игрушек —это подчеркивает сказочность, основываясь на детском восприятии. Также важна работа художника по свету, благодаря которой сцена высвечена иначе, чем в других версиях.
Юрий Григорович в своей редакции внес изменения в либретто. Особенно отличается финал: в нем больше размышления о мире фантазии.
Первое адажио, когда Щелкунчик превращается в прекрасного принца, — это важный акцент, где наглядно показывается чувство первой влюбленности.
Интересный персонаж — Мышиный Король, в постановках Григоровича темная сторона выглядит всегда особенно привлекательно, партия невероятно харизматичная.
Снежинки — не только зрелищная картина, трудоемкая для кордебалета, она окутывает героев, романтизирует атмосферу спектакля.
Вариация Феи Драже — длительная и сложная за счет того, что пируэты сменяют мелкие прыжки: надо понимать, что балерине необходима глубокая концентрация для исполнения.

АНЮТА

Премьера балета в Большом театре состоялась 31 мая 1986 г.
Музыка Валерия Гаврилина
Либретто Александра Белинского и Владимира Васильева по рассказу Антона Чехова «Анна на шее»
Хореография Владимира Васильева
Длительность: 2 часа 15 минут с одним антрактом

Факты:
- Изначально в 1984 г. была создана киноверсия балета и лишь затем она была перенесена на сцену
- «Анна на шее» — так называли в быту орден Анны II степени, который получал чиновник средней руки за долгую службу без выдающихся достижений

Обычно киноверсии создаются по уже существующим театральным версиям. «Анюта» — первый в истории случай, когда все произошло наоборот. После успеха телевизионной версии Владимир Васильев перенес спектакль на театральные подмостки. Премьера проходила в неаполитанском театре «Сан-Карло», а затем в этом же году — в Москве.
Печальная история девушки из бедной семьи, которая жертвует своей юностью и любовью, выходит замуж за богатого, но нелюбимого ею человека, дабы спасти отца и младших братьев от нищеты. Муж оказывается очень скупым, однако зато не брезгует собственным продвижением по службе за счет успеха в свете молодой очаровательной жены. Со временем Анну все больше и больше поглощает светская жизнь, она забывает о своей семье и возлюбленном из прошлой жизни и даже не узнает, что отца и братьев выгнали из дома за неуплату долгов в холодную зимнюю ночь.

Партия Анюты создавалась специально для Екатерины Максимовой, по свидетельствам очевидцев, ей удалось создать глубокий многозначный образ и привнести в сценическую версию новые краски. В партии ее отца выступил сам Владимир Васильев.

Спектакль, явивший миру «обратную» связь кино и театра, живет на сцене больше 20 лет. Временами вы будете смеяться, глядя на неуклюжего громоздкого мужа главной героини, целыми днями пересчитывающего свои накопления. Но потом эти чувства сменит печаль и жалость к главным героям. Финал балета трагичен. Если в фильме последним кадром был долгий крупный план Анны, то в сценической версии появилась новая сцена. Предновогодняя ночь. Анюта в окружении поклонников резвится на катке, и в этой веселящейся толпе она проносится мимо своих отца и братьев, одиноко стоящих поодаль. Каток пустеет, отец берет за руку мальчиков и начинает уходить вглубь сцены. А потом оборачивается и долго смотрит в зал добрыми глазами…

АРТЕФАКТ-
СЮИТА

Мировая премьера: Глазго, 15 сентября 2004 г.
Премьера в Большом: 20 ноября 2018 г.
Музыка: Эва Кроссман-Хехт и Иоганн Себастьян Бах
Хореограф: Уильям Форсайт
Длительность: 40 минут, один акт

Факты:
- Полная версия состояла из четырех действий и была поставлена в 1984 г., когда Форсайт пришел в качестве руководителя балетной труппы Оперы Франкфурта. Потом он еще 30 лет редактировал балет

Балет стоит отнести к числу редких, революционных, воспевающих танец как суть бытия. Так что же такого особенного в этом спектакле?
Во-первых, Форсайт поставил своего рода эксперимент, раскрывающий границы возможностей танца.
Во-вторых, на передний план вынесена первобытность характера гендерных различий, зашифрованная в языке тела. Подобное зрелище способно заворожить любого зрителя. Привычнее смотреть на историю любви на сцене, здесь же мы видим неприкрытую экспрессию. Состязательность полов — довольно актуальная тема в последние десятилетия. Интересна идея хореографа показать не столько результат, сколько процесс его достижения, двигаясь от нуля до бесконечности, объясняя тем самым его апогей. Форсайт в своем творчестве во многом основывается на искусстве Баланчина, но если мистер Би «отбрасывает лишнее», дабы стало видно изящество классического танца, то Форсайт выходит за пределы допустимого современностью. Характер хореографии Форсайта является чем-то стихийным, природным, давно сокрытым за рамками и приличиями. Он — освободитель.

Ново для танцовщиков, привыкших быть крайне собранными, обнимать все пространство на сцене. Исполнители Форсайта должны растягивать собственное тело и движения в плоскости — такой метод иллюстрирования словно поглощает зрителя и все вокруг.

ГЕРОЙ НАШЕГО ВРЕМЕНИ

Мировая премьера: Большой театр, 22 июля 2015 г.
Музыка Ильи Демуцкого
Хореограф: Юрий Посохов
Режиссер-постановщик: Кирилл Серебренников
Длительность: 2 часа 45 минут с одним антрактом

Факты:
-Первая совместная работа Демуцкого – Посохова – Серебренникова. Ранее Илья Демуцкий не писал балеты

Либретто — самое длинное изо всех в нашем гайде, просим серьезно к нему отнестись. Серебренников лишь тезисно обрисовал сюжет, сократив лермонтовский оригинал до моментов наивысшей эмоциональной ценности. В процессе преобразования романа в балет спектакль превратился скорее в авторский эпизодический пересказ.
Пять частей оригинальной версии сокращены до трех, на общем фоне философских проблем женская линия выделена наиболее ярко. Структурно спектакль представляет собой цикл одноактных балетов — глав с намеренным нарушением хронологического порядка. Главы связаны одним персонажем. Монументальным столпом постановки следует считать идею иллюстрации разобщенной личности Печорина, история жизни которого разнесена режиссером на три эпизода. Дабы наглядно показать феномен неоднозначности главного героя, Серебренников в каждом фрагменте задействовал разных артистов, исполняющих роль одного персонажа в разные отрезки времени. Такой прием дает возможность зрителю распознать различные грани девиантной философии Печорина.
Сама музыка, по нашему мнению, безоговорочно — в десятку, многозадачная, сложная для восприятия, рваный ритмический рисунок на удивление томно оседает на декорациях, рождая реальную атмосферу — именно музыкальный аккомпанемент доходчиво ведет зрителя вдоль сюжета.

Первая часть, «Бэла», насыщенна двойственностью течений и восточным колоритом. Идея противопоставления восточной и православной культур нашла свое отражение в обоих языках: музыкальном и танцевальном. Хронологически «Бэла» должна идти в конце, после «Княжны Мэри».
Вторая часть, «Тамань», показывает нам молодого Печорина, нескладного темперамента, окруженного метафорическими осколками своей собственной личности (слепой мальчик, Ундина), но вы не поймете этого, исходя лишь из балета, если основательно не подготовитесь.

«Княжна Мэри» более других насыщена сюжетными поворотами и, тем не менее, с полета высокой мысли, проще на общем фоне. История «Героя» не об одном человеке — режиссер, на контрасте с Печориным, выталкивает на передний план всех потерпевших дам. Зашитый любовный треугольник Мэри–Печорин–Вера будет любопытен зрителю. Вера — образ настоящей женщины: мать, любовница, подруга. Линия Печорина и Веры ощущается как наиболее трогательная.

ЗАБЫТАЯ
ЗЕМЛЯ

Премьера балета в Большом театре состоялась 2 ноября 2017 г.
На музыку «Симфонии-реквиема» Бенджамина Бриттена
Хореография Иржи Килиана
Продолжительность: 30 минут

Факты:
- В работе над балетом Иржи Килиан вдохновлялся произведениями Эдварда Мунка

«Симфония» Бриттена была создана в рамках подготовки к национальному японскому празднику, музыку заказали разным иностранным композиторам. Но результат его работы чересчур напоминал заупокойную католическую мессу. Бриттен вложил в свою музыку всеобщее ощущения нарастания предвоенной обстановки в мире и тревожность.
Иржи Килиан прославился не только своими прекрасными работами, но и тем, как с их помощью он воспитал труппу Нидерландского балетного танца (NDT) и сделал ее одной из самых успешных балетных компаний.
Сам Килиан называет «Забытую землю» музыкальной хореографией — то есть весь балет целиком вышел из музыки. При этом, в отличие от самой «Симонии-реквиема» Бриттена, балет лишен какой бы то ни было политической подоплеки и повествует исключительно о человеческих отношениях, любви и смерти, ускользающей красоте жизни. Но ощущение тревоги остается лейтмотивом всей постановки. Танцовщики бредут к заднику сцены, прогибаются под вой урагана, идут против ветра.
Источником вдохновения для Иржи Килиана в этом балете стала картина Эдварда Мунка «Танец жизни», где изображены три периода жизни женщины. Художник Джон Макфарлейн, работавший над спектаклем, позаимствовал у Мунка и идеи костюмов.

На картине Мунка мы видим несколько пар, вовлеченных в вечное движение жизни. В центре «красная пара», вот-вот страсть закружит их в водовороте танца. Слева — женщина «в белом», без пары, но она лишена каких-либо волнений и переживаний, тянется к цветку в ожидании своих будущих страстей. Справа же мы видим скорбную фигуру женщины в черном, для нее радость жизни и огонь любви уже погасли.
Балет «Забытая земля» выходит за рамки любви и жизни женщины. Несколько пар вовлечены на сцене в танец-движение: три основные и три «поддерживающие» пары. Земля здесь является символом надежды, чем-то «обетованным» из реального или вымышленного мира, местом, куда мы все приходим и которое все когда-нибудь покинем.

Премьера балета в Большом театре состоялась 23 марта 1982 г.
Возобновление постановки — 13 октября 2016 г.
Музыка Дмитрия Шостаковича
Либретто Исаака Гликмана и Юрия Григоровича
Хореография Юрия Григоровича
Спектакль идет с одним антрактом

Факты:
- Когда Шостакович закончил свой первый балет «Золотой век», ему было всего 24 года
- Первая постановка спектакля состоялась в 1930 году и не имела успеха.

«Золотой век» изначально был попыткой создать новый по стилю хореографический спектакль с агитационным содержанием. Тот этап истории характеризовался нападками пролетарских организаций на бывшие императорские театры и их репертуар. Был объявлен конкурс на лучшее либретто на советскую тему. Спектакль должен был показать борьбу двух миров: советского человека и западного буржуазного общества — в гротескном виде.
Действие балета разворачивается в 1920 годы на юге советской России в период, хорошо известный всем как НЭП. Как следствие новой экономической политики и расцвета мелкой частной торговли, возникают первые «темные» дельцы. В ресторане «Золотой век» публику развлекают молодая танцовщица Рита и ее партнер Яшка, главарь банды. На городском празднике с Ритой знакомится рыбак, комсомолец и просто красавчик Борис. В этих странных обстоятельствах между ними зарождается светлое чувство. Развивается любовная драма. Борис и Яшка борются друг с другом за сердце Риты, но добро побеждает. Рита покидает ресторан и вместе с Борисом начинает новую жизнь.

Приступив к постановке своего «Золотого века», Григорович переписал слабое, на его взгляд, либретто. Героями стали типичные для той эпохи молодые люди — им присуща наивность, они свято верят в идеалы нового общества, которое только начали строить. При этом им предстоит встретить на своем пути препятствия — настоящую «уголовщину».

Если вам кажется, что этот балет будет скучен, и вообще эта тема вас не привлекает, не спешите с выводами. Да, тематика и музыка Шостаковича местами обязывают к агитспектаклю, но Григорович делает это так стильно, что гротеска практически нет. А какая фантастическая сцена в ресторане — знаменитое танго, которое жизнеспособно и как отдельный номер и до сих пор становится украшением гала-концертов.

При этом, как и во всех гениальных творениях Юрия Григоровича, особое место уделено классическому танцу и массовым сценам. Здесь есть и сложнейшие прыжковые вариации у мужчин, и сложные акробатически поддержки в дуэтах, и ансамбли. И, конечно, вас ждет прекрасная музыка Дмитрия Шостаковича!

ЗОЛОТОЙ ВЕК

КАРМЕН-
СЮИТА

Мировая премьера: 20 апреля 1967 г.; возобновлен 18 ноября 2005 г.
Музыка: Жорж Бизе, Родион Щедрин
Хореограф-постановщик: Альберто Алонсо
Длительность: 50 минут, один акт

Факты:
- Балет был поставлен по инициативе Майи Плисецкой и специально для нее
- Муж Плисецкой Родион Щедрин написал музыку на основе оперы Жоржа Бизе «Кармен»
- В Большом театре Плисецкая станцевала Кармен-сюиту 132 раза, последний — в 1990 году, ей было шестьдесят пять лет
- Возобновление спектакля приурочено к 80-му юбилею Майи Плисецкой
- После выступления Светланы Захаровой Майя Плисецкая за кулисами сказала: «Хорошо, что ты меня не копировала»

Один из самых темпераментных балетов в репертуаре. Кричащая сексуальность являла вызов своему времени и политическому режиму. Сюжет существенно упрощен: акцент сделан на эмоциональном пике героев, а не на привычном повествовании об их укладе, действие ограничено взаимоотношениями в любовном треугольнике. Гордая цыганка Кармен влюбляется в солдата Хозе, но быстро охладевает к нему и отдает свое сердце красавцу Тореодору. Хозе в страданиях убивает любимую.
Сценография Бориса Мессерера также не содержит ничего лишнего: пылающий алый цвет заливает сцену с первых тактов музыки, на зрителя смотрят глаза быка — не то животное, не то сама судьба следит за происходящим на сцене. Сценическое пространство превратилось в дощатый загон, представляющий собой одновременно и место боя с быком, и метафорическую арену жизни. Над ареной полукругом стоят стулья с высокими спинками — это и зрители корриды, и в то же время судьи Кармен. Двойственность всех этих символов стала основой сценического решения постановки.

Важным символом является персонаж Рок, олицетворяющий собой неотвратимую трагическую судьбу, сопровождающую Кармен, а вместе с тем и реального Быка на корриде. Гениально подобранный грим и хореография делают эту партию поистине зловещей и требуют от исполнительницы очень высокого уровня мастерства, красивых и графичных линий.

КЛЕТКА

Мировая премьера состоялась 19 марта 2017 г.
Музыка Игоря Стравинского
Хореография Джерома Роббинса
Спектакль идет 14 минут

Факты:
- В Голландии балет был запрещен как «порнографический»
- Роббинс характеризовал музыку Стравинского как «ужасно возбуждающую, подавляющую и подчиняющую»

Под музыку Игоря Стравинского зритель погружается в мир насекомых. Здесь царят естественный отбор и инстинкты: женская особь воспринимает мужскую исключительно как жертву — эдакая жизнь кровожадного племени. Изначально Роббинс придерживался темы амазонок, но в процессе постановки тематика изменилась в сторону насекомых.
Чтобы стать членом племени, женщина-самка должна овладеть мужчиной и убить его. Под руководством Королевы обряд этой инициации проходит юная девушка-подросток.
Сам Роббинс про свою постановку говорит так: «Мне не надо было ограничивать себя движениями, свойственными человеку. В том, как работали их пальцы, корчилось тело, атаковали руки, я мог позволить себе видеть то, что мне хотелось вообразить».
На сцене нет декораций как таковых: только игра света и веревочная паутина. Лаконичные костюмы лишь подчеркивают идеальные формы танцовщиц, изгибающихся в немыслимых позах.
«Это история о племени, женском племени. Молодая девушка, Новообращаемая, должна пройти обряд посвящения. Она еще не знает своих обязанностей и полномочий в качестве члена племени, как и не осознает своих природных инстинктов. Она влюбляется в мужчину и спаривается с ним. Но правила, по которым живет племя, требуют его смерти. Она отказывается убить его, но ей снова приказывают выполнить свой долг. И когда его кровь действительно проливается, животные инстинкты берут верх. Она сама бросается вперед, чтобы совершить жертвоприношение».

(с) Джером Роббинс о своем балете

Премьера в Большом: 12 марта 2009 г., возобновлен 20 апреля 2018 г.
Музыка Лео Делиба
Хореография: Мариус Петипа, Энрико Чекетти
Восстановление хореографии — Владимир Григорьев
Либретто Шарля Нюиттера и Артюра Сен-Леона по мотивам новелл Эрнста Теодора Амадея Гофмана
Продолжительность: 2 часа 30 минут с двумя антрактами

Факты:
- Это комедийный балет
- Хореография (для первой постановки) была восстановлена на основе материалов, хранящихся в театральной коллекции Гарвардского университета.
- Сен-Леон умер через два месяца после премьеры

История о прекрасной загадочной девушке, которая появляется на балконе своего отца Коппелиуса. Франц, не подозревая, что она механическая кукла, влюбляется. Сванильда, его невеста, выясняет тайну Коппелиуса.
Важно знать перед просмотром, что, хотя балет и считается классическим, ожидать возвышенной классики не стоит. Первые два действия преимущественно представляют собой красочную пантомиму, разбавленную балетными па. На общем фоне третье действие парит в яркой хореографической плоскости массовых танцев. Интерес вызывает контраст механических движений куклы и классической хореографии.
На фоне именитых постановок не поднимается язык назвать «Коппелию» особенно сложным спектаклем, сей балет считается весьма универсальным в театральном мире по причине того, что может быть исполнен в качестве учебной хореографии юных артистов. И вместе с тем серьезные исполнители также не пренебрегают остаточным наследием одаренного Артюра Сен-Леона. Мариус Петипа заполнил пробелы хореографии Сен-Леона. Многословное либретто компенсирует недостаток хореографического текста. Однако предположим, что для искушенных любителей танцевальной выразительности все же недостает.
Ведущим достоинством этой постановки является музыка Лео Делиба, неспроста именно она приводила в восторг великого композитора Петра Чайковского. Благодаря музыкальному сопровождению сегодня балет можно отнести к долгожителям.

Особое внимание, на наш взгляд, уделено оформлению сценического пространства. В частности, во втором действии заполнение сцены мистической символикой натурфилософии одновременно создает атмосферу волшебной таинственности и вместе с тем направляет зрителя к более глубинному познанию сокрытых проблем. Рекомендуем для посещения с детьми.

КОППЕЛИЯ

ОНЕГИН

Премьера в Большом: 12 июля 2013 г.
Музыка: Петр Чайковский, аранжировка Курта-Хайнца Штольце
Хореограф: Джон Крэнко
Длительность: 2 часа 35 минут с двумя антрактами

Факты:
- Изначально балет показывали на Исторической сцене, а с 2018 г. перенесли на Новую сцену Большого театра
- Либретто основано по большей части на опере
- В партитуре же нет ни одного заимствования из оперы, К.Х. Штольце составил ее из других произведений П. Чайковского

Дом Лариных готовится к предстоящему дню рождению Татьяны, Ленский знакомит семейство со своим другом — Онегиным. Татьяна с первого взгляда влюбляется в нового гостя, мечтает о нем во снах, пишет ему любовное письмо. На дне рождения Татьяны Онегину скучно. Он отчитывает ее за детское письмо. Начинает ухаживать за сестрой Татьяны, за что Ленский вызывает его на дуэль, но сам погибает. Онегин в ужасе. Через несколько лет Онегин едет на бал к князю Гремину и узнает в прекрасной княгине Татьяну. Он пишет ей любовное письмо, но она непреклонна.
Обратите внимание, какое колоссальное внимание уделено костюмам, благодаря чему на сцене царит дух 19-го века. Внимательно следите за драматургией балета. Главная героиня противопоставлена образу Онегина. Он, несмотря на внешний лоск и манеры, совершенно пустой внутри, когда она, девушка из простой семьи, столь благородна и способна испытывать глубокие чувства. Заметим, что персонаж Онегина в балете изображен еще более отрицательным, чем в романе. Высокомерие и скука — вечные его попутчики.
Картина «Сон Татьяны» — это, по сути, ее письмо. Однако происходящее на сцене страстное адажио является лишь фантазиями влюбленной девушки. Порталом между реальным миром и иллюзией является зеркало, из которого выходит Онегин.

Сцена дуэли выполнена в стиле немого кино, в ней много жестов и драматизма. Финал необычайно выразителен: герои меняются местами, Онегин просит простить его. В этой сцене важно, чтобы балерина не давала волю «гневу». Как бы больно ей ни было, Татьяна остается всегда собой, нежной и достойной молодой женщиной. Обратите внимание, как она рвет письмо. Крэнко скорее сделал упор на игру актеров, на эмоцию, получилось эффектно и очень чувственно. Западное видение русской жизни слегка романтизировано, но вряд ли в вопросе творчества есть место достоверности.

ОРЛАНДО

Либретто Клауса Шпана по одноименному роману Вирджинии Вулф
Хореограф-постановщик — Кристиан Шпук
На музыку Эдуарда Элгара, Филипа Гласса, Леры Ауэрбах и Елены Кац-Чернин

Факты:
Роман Вирджинии Вулф «Орландо» – это история мужчины, превратившегося в женщину, прожившего более трехсот пятидесяти лет и не состарившегося. Действие романа начинается в Англии XVI века и заканчивается в Англии начала XX века.
Это произведение Вулф посвятила своей подруге Вите Саквилл-Вест, с которой состояла в романтических отношениях. Именно она вдохновила писательницу на удивительную историю о молодом юноше, который прожил 350 лет и однажды превратился в женщину. «Другой пол. Человек тот же» - пишет она об Орландо. И хотя автор романа всю жизнь боролась за права женщин, роман ее, кажется, совсем не об этом. Свое произведение она называет «биографией», отдыхом от создания более серьезных произведений, а в сказочный невероятный сюжет вплетены моменты жизни Саквилл-Вест. Главный герой чувствует, что в нем живет несколько личностей, а в его сознании течет одновременно множество времен. Пол не важен, важна лишь душа, которая в творческом порыве может путешествовать сквозь время, миры, историю.
Этот балет больше об эстетическом удовольствии, которое получаешь в совокупности от всех составляющих, сложенных воедино – музыка, костюмы, танец. Надо отметить, что и музыка сама по себе подобрана феноменально и самостоятельно является большой удачей постановки. Отдельного разговора также заслуживают костюмы. Они точно передают дух того времени, которое иллюстрируют, но при этом очень кинематографичны и эффектны.

Весь спектакль решен в темных, почти черных декорациях, приглушенном освещении и полумраке. И если это вызовет у вас вопросы, то авторы объясняют это тем, что большая часть повествования ведется о том историческом времени, когда электричество еще не существовало, и они намеренно хотели передать атмосферу полутьмы.

Обычно мы строго советуем перед походом в театр ознакомиться с либретто. Но не в этот раз. Во-первых, краткое содержание, представленное на сайте театра, написано так скудно и непонятно, что после его прочтения вам вряд ли захочется идти на спектакль. Во-вторых, мы бы посоветовали не вникать в глубокие философские смыслы и посмотреть на произведение как на удивительную сказку.

ПАРИЖСКОЕ ВЕСЕЛЬЕ

Мировая премьера: 12 марта 1832 г.
Премьера в Большом: 13 июня 2019 г.
Музыка Жака Оффенбаха/Манюэля Розенталя
Хореограф: Морис Бежар
Длительность: 60 минут

Факты:
- В 1938 году в Монте-Карло Леонид Мясин создает «Парижское веселье» с музыкой Оффенбаха. Позже в этом балете танцевал юный танцовщик Бежар

Можно считать «Парижское веселье» в некотором смысле автобиографическим балетом, представляющим собой иронически-остроумное видение творческого становления.
Балет о молодом человеке невысокого роста и невыдающихся для танцовщика данных, но страстно желающем покорить Париж. Бим — имя главного героя (домашнее прозвище самого Мориса Бежара). Балет, с одной стороны, — исповедь Бежара о переживаниях юности, с другой — его сюрреалистическое представление о жизни, беспорядочно разбавленное воспоминаниями.
Сюжет строится вокруг молодого человека, который едет в Париж в школу балета, где царит тоталитарный режим в лице Мадам (прототип этого персонажа Рузанна Саркисян — педагог Бежара, которой он и посвятил сей балет). В обучении балетному искусству нет ничего простого, как технически, так и морально. Роль Мадам выглядит противоречиво. Сквозь нарочитый нарратив, призванный показать зрителю ее строгость и даже жестокость по отношению к молодому танцовщику, пробиваются ее отношение к большому таланту и желание научить искусству.

Начало призвано интриговать зрителя: занавес поднимается, на сцене расположена колыбель, вокруг которой в отсутствие музыкального сопровождения происходит балетное таинство в окружении шести мужчин, которые наделяют Бима всевозможными талантами (пародия на «Спящую красавицу»), потом артисты кричат «в Париж!». Далее к этому добавляются исторические и сюрреалистические образы и аллюзии, перенасыщенные метафорическими идеями. Бежар нарочно путает зрителя, внедряя персонажей из разных эпох.

Появление Людвига Баварского иллюстрирует патологическое стремление героя к бессмысленному сочинительству и подражанию, призванное прикрыть комплекс неполноценности. Это показывает трудности, с которыми он вынужден был столкнуться на отчаянном пути к успеху. Заканчивается «Веселье» сценой смерти Мадам на музыку баркаролы Оффенбаха. Бим спиной к зрителю, на великой сцене Парижской оперы, в глубоком реверансе Мадам преклоняется пред классическим танцем.
Данный балет можно долго расшифровывать, но, признаемся, рекомендации на его посещение, увы, не даем.

ПЕТРУШКА

Премьера в Большом: 20 ноября 2018 г.
Музыка Игоря Стравинского
Хореограф: Эдвард Клюг
Либретто: Александр Бенуа, Игорь Стравинский

Факты:
- Изначально «Петрушка» был поставлен Михаилом Фокиным для дягилевской антрепризы в 1911 году

«Пламя Парижа» впервые было представлено зрителю в 30-е годы прошлого столетия в Ленинграде, а затем был перенесен в Большой. В то время в танцевальном театре воцарился драмбалет. Хореографы работали в тесной связке с режиссерами, а сюжет в основном двигался пантомимой, танца при этом было значительно меньше, чем в классических балетах. Вопреки этим трендам, в «Пламени Парижа» на сцену выходила чуть ли не вся труппа. И это неудивительно, потому что в этом спектакле появился очень важный персонаж — народная масса, так что хореограф снабдил балет всевозможными массовыми характерными танцами, которые сопровождают каждую кульминацию спектакля. При этом аристократам отдана «классика», а восставшим — массовые танцы на площадях.
При восстановлении балета Алексею Ратманскому на помощь пришли фрагменты пленки, а также те артисты, кто еще помнил этот давно ушедший из репертуара балет. Известный своей страстью в бережной реставрации постановок, хореограф постарался максимально сохранить танцевальный текст, при этом длительность спектакля сократилась до 2 актов, что сделало его более насыщенным и динамичным. Появилась и любовная линия, которая в советское время отсутствовала. При этом в финале добавилась казнь одной из главных героинь — торжество революции оборачивается трагедией для отдельно взятых людей.

Спектакль повествует не столько об исторических событиях, сколько о противоречивых судьбах людей той печально известной эпохи. Поэтому образ революции (народ и привилегированное сословие — Маркиз, Людовик) разбавлен независимыми персонажами, представителями двух враждующих лагерей (Филипп, Жанна, Жером, Аделина). Сквозь призму человеческих отношений героев, через разрушенные судьбы и множество смертей вершится история.

Финальная сцена, где Жером держит отрубленную голову возлюбленной под ликование толпы, наглядно иллюстрирует ничтожность человеческих жизней под натиском неуправляемых революционных идей.

Премьера балета состоялась 3 июля 2008 г.
Музыка Бориса Асафьева
Либретто Александра Белинского и Алексея Ратманского на основе и с использованием оригинального либретто Николая Волкова и Владимира Дмитриева
Хореография Алексея Ратманского с использованием оригинальной хореографии Василия Вайнонена
Спектакль идет 2 часа 15 минут с одним антрактом

Факты:
- Во времена СССР этот балет стал одним из любимых спектаклей Сталина
- Ставился в преддверии годовщины «великого Октября»

«Пламя Парижа» впервые было представлено зрителю в 30-е годы прошлого столетия в Ленинграде, а затем был перенесен в Большой. В то время в танцевальном театре воцарился драмбалет. Хореографы работали в тесной связке с режиссерами, а сюжет в основном двигался пантомимой, танца при этом было значительно меньше, чем в классических балетах. Вопреки этим трендам, в «Пламени Парижа» на сцену выходила чуть ли не вся труппа. И это неудивительно, потому что в этом спектакле появился очень важный персонаж — народная масса, так что хореограф снабдил балет всевозможными массовыми характерными танцами, которые сопровождают каждую кульминацию спектакля. При этом аристократам отдана «классика», а восставшим — массовые танцы на площадях.
При восстановлении балета Алексею Ратманскому на помощь пришли фрагменты пленки, а также те артисты, кто еще помнил этот давно ушедший из репертуара балет.

Известный своей страстью в бережной реставрации постановок, хореограф постарался максимально сохранить танцевальный текст, при этом длительность спектакля сократилась до 2 актов, что сделало его более насыщенным и динамичным. Появилась и любовная линия, которая в советское время отсутствовала. При этом в финале добавилась казнь одной из главных героинь — торжество революции оборачивается трагедией для отдельно взятых людей.

Спектакль повествует не столько об исторических событиях, сколько о противоречивых судьбах людей той печально известной эпохи. Поэтому образ революции (народ и привилегированное сословие — Маркиз, Людовик) разбавлен независимыми персонажами, представителями двух враждующих лагерей (Филипп, Жанна, Жером, Аделина). Сквозь призму человеческих отношений героев, через разрушенные судьбы и множество смертей вершится история.

Финальная сцена, где Жером держит отрубленную голову возлюбленной под ликование толпы, наглядно иллюстрирует ничтожность человеческих жизней под натиском неуправляемых революционных идей. 

ПЛАМЯ
ПАРИЖА

Премьера балета состоялась 22 ноября 2017 г.
Музыка Сергея Прокофьева
Либретто Адриана Пиотровского, Сергея Радлова, Сергея Прокофьева по одноименной трагедии Уильяма Шекспира
Хореография Алексея Ратманского
Спектакль идет 3 часа 5 минут с двумя антрактами

Факты:
- Спектакль ставился для Национального балета Канады в 2011 году
- В репертуаре театра по-прежнему остается редакция Григоровича

Новая редакция всемирно известной классики внезапно возникла на сцене Большого театра в 2017 году и породила немало разговоров и пересудов. Многим было искренне непонятно решение о постановке новой версии в то время, как канонический вариант Григоровича многие годы радовал зрителей своими классичностью и масштабом. Мало того, балет был поставлен для Новой сцены, что само по себе казалось сомнительной идеей: как грандиозная музыка Прокофьева «ляжет» на куда меньшую площадь сценического пространства?
Тем не менее, постановка получилась весьма интересной. Ратманский почти полностью лишил спектакль пантомимы и заметно добавил темпа.
Интересно решено сценографическое пространство. Хотя многим Веронский замок на декорациях напоминает мавзолей на Красной площади, в целом спектакль посвежел. Особое внимание стоит также уделить новым костюмам — вот здесь художник поработал на славу, платья и головные уборы дам словно сошли с итальянских фресок.
Что касается хореографии, то местами Ратманский все же проигрывает своему гениальному предшественнику. В частности, известнейшая сцена «Танца рыцарей» решена куда менее масштабно и грандиозно, чем у Григоровича. Тем не менее, есть и очень удачные сценографические моменты: сцена, когда Джульетта воображает, как ее тело найдут родители, сделана очень кинематографично.

Еще одна интересная задумка в редакции Ратманского — Джульетта просыпается раньше смерти своего возлюбленного. Это решение подарило нам душераздирающий дуэт всего на несколько минут, но трагический финал от него ощущается еще острее.
Сама хореография остается академичной и достаточно классической.

Версия Григоровича до сих пор остается в репертуаре для любителей монументальных балетов, для тех же зрителей, кто хочет увидеть новое прочтение классики, — you are welcome, на Новой сцене и цены более приятные!

РОМЕО И ДЖУЛЬЕТТА

в редакции
Алексея Ратманского

РУССКИЕ
СЕЗОНЫ

Премьера в Большом театре состоялась 15 ноября 2008 г.
Музыка Леонида Десятникова
Хореография Алексея Ратманского
Спектакль идет 45 минут

Факты:
- Спектакль был создан для труппы Нью-Йорк Сити балет. Впервые показан в Нью-Йорке 8 июня 2006 г. в рамках «проекта Даймонда».

«Русские сезоны» уже давно ассоциируются у опытного зрителя-театрала с легендарными постановками Сергея Дягилева и целой эпохой триумфа его труппы на мировых сценах. Тем не менее, «Русские сезоны» Ратманского не имеют ничего общего с антрепризами Дягилева — это самостоятельное произведение, одноактный балет, рассказывающий о четырёх временах года, о двенадцати месяцах. Хореографически он представлен 12 номерами и 12 артистами: 6 женщин и 6 мужчин. Исполнители облачены в яркую одежду разных цветов.
Примечательно, что поставка имела грандиозный успех в Нью-Йорке. Балет прочно обосновался в репертуаре американского театра.
В основе спектакля — православные и языческие празднества, народный танец. Разные цвета костюмов выбраны неслучайно: каждый из них отсылает зрителя к тому или иному времени года.
Несмотря на то, что как таковой сюжет у балета отсутствует, все же явно прослеживается эмоциональная линия, мы наблюдаем разные характеры исполнителей. Каждый артист получил свою сольную партию, каждый выражает себя в
определенном амплуа: лирическом, трагичном или в беспечно-веселом.

Мы не советовали бы идти на этот спектакль за развлечением. Он требует вдумчивого внимательного подхода и не всегда может быть понят и принят неопытным зрителем. Если вам повезет с составом, то эта постановка, конечно, поразит вас красотой линий и мастерством самовыражения артистов на сцене. Мы бы назвали эту вещь «на любителя».

СВЕТЛЫЙ
РУЧЕЙ

Премьера балета состоялась 18 апреля 2003 г.
Музыка Дмитрия Шостаковича
Либретто Адриана Пиотровского и Федора Лопухова
Хореография Алексея Ратманского
Спектакль идет 2 часа с одним антрактом

Факты:
- После премьеры 1935 года спектакль был с успехом принят зрителями и критиками
- 6 февраля 1936 года вышла статья «Балетная фальшь», в которой постановка Лопухова и музыка Шостаковича были обвинены в опошлении колхозной жизни, и спектакль был снятс репертуара

Версия Алексея Ратманского увидела свет в 2003 году, причем Алексею пришлось заново воссоздавать всю хореографию, так как авторская не сохранилась.
Сюжет сего произведения не сложен для восприятия: дело происходит в советской глубинке, куда приезжают в гости столичные артисты-знаменитости. И все бы хорошо, но агроном Петр, женатый человек, влюбляется в красавицу-артистку, да так, что готов забыть про свою жену Зину. И, конечно, он не может даже себе представить, что две девушки коварно объединятся, решив его проучить. Впрочем, жертвой заговора станет не только Петр. Далее вас ждет настоящая комедия положений и переодеваний и, безусловно, хеппи-энд.
Для постановщика в рамках такого либретто весьма важно понимать, где проходит тонкая грань между юмором и фарсом. Так вот, Ратманскому это понимание не чуждо. Также этого хореографа всегда отличает небанальная, технически емкая хореография и, по-видимому, качественная работа с артистами. Если ориентироваться на сайт Большого театра, то на данный момент в списках исполнителей значатся около десятка исполнителей каждой заглавной партии. И все танцовщики чрезвычайно хороши. Да, артисты Большого действительно профессиональны, но подготовить за долгие годы существования спектакля такое количество вводов — непростая работа для хореографа и репетиторов.
Мы искренне рекомендуем этот спектакль к просмотру хотя бы по причине того, что это, пожалуй, единственный в своем роде балет-комедия. Все это очень напоминает веселый праздничный водевиль, а сам сюжет иногда сравнивают с любимой многими опереттой «Летучая мышь».

Самой же выдающейся сценой балета является танец Сильфиды в исполнении прекрасных артистов Большого театра: мужчинам пришлось надеть на себя шопенку и даже пуанты, при этом их исполнение ни в коей мере не выглядит вульгарным.

СИЛЬФИДА

Первая редакция: 12 марта 1832 г.
Премьера в Большом: 20 февраля 2008 г.
Музыка: Херман Северин фон Левенскольд
Либретто: Адольф Нурри и Филипп Тальони
Хореограф: Август Бурнонвиль
Постановка и новая хореография: Йохан Кобборг
Длительность: 1 час 45 минут с одним антрактом

Факты:
- Самый первый романтический балет
- Поставлен Филиппом Тальони для своей дочери Марии Тальони
- Мария Тальони в этом балете первая стала на сцене использовать технику танца на пуантах
- Главная реформа Тальони — облегчение балетных костюмов, чтобы танец казался воздушным и невесомым

В день своей свадьбы Джеймсу явилась непринужденная Сильфида — существо, олицетворяющее свободу мечты. Зачарованный Джеймс верит, что нашел истинную любовь, оставляет свою невесту и направляется в волшебный лес за новой возлюбленной. Его невеста Эффи соглашается выйти замуж за его друга Гурна. Старая колдунья, желая отомстить за нанесенное ей Джеймсом оскорбление, убеждает его принять зачарованный шарф, чарам которого невозможно сопротивляться. Герою с его помощью удалось завладеть Сильфидой, но ее крылышки отпали, и она умерла. Старуха заставляет Джеймса смотреть на происходящую вдалеке свадьбу Эффи, осознавая все, что он потерял.

Ценность этого балета заключается в том, что он перевернул восприятие зрителей: ранее балет считался лишь развлечением, теперь же он заставлял думать. Главная философская идея романтизма — невозможность обладать всем. В погоне за призрачным идеалом можно лишиться всего. Важная метафора: на протяжении балета главный герой буквально не может прикоснуться к вожделенной мечте, а когда это все же происходит — он теряет все.
Признаком романтизма является душевная двойственность героя, показанная через призму двух миров: реального и фантастического. Иллюзия не может существовать в реальном мире.

Обратите внимание, как противопоставление миров отражено в сценографии: мир земной оформлен в темных коричневых тонах, в то время как волшебный лес окрашен в неоновые оттенки.

Мировая премьера: 28 июля 1947 г.
Премьера в Большом: 21 апреля 1999 г., возобновлен 3 июня 2019 г.
Музыка Жоржа Бизе
Хореограф: Джордж Баланчин
Балетмейстер-репетитор — Элиз Борн
Длительность: 40 минут

Факты:
- Впервые балет поставлен на сцене Парижской оперы под названием «Хрустальный дворец»
- Музыка написана Ж. Бизе в период учебы в консерватории, в 17 лет. Партитуру обнаружили лишь спустя 80 лет, в 1935 г.

Структурно балет состоит из четырех частей (1 — Allegro vivo, 2 — Adagio, 3 — Allegro vivace, 4 — Allegro vivace). В каждой части своя ведущая пара, каждая из которых - новый образ и новый темперамент. Это именно тот балет, в котором невозможно выделить единственного исполнителя, а значит, отделить его от других — здесь красоту и мощь несет общность. В кульминации коды — все 54 артиста воедино проживают одну эмоцию.
Как писал сам Баланчин: «Нужно отбросить сюжет, обойтись без декораций и пышных костюмов. Тело танцовщика — его главный инструмент, его должно быть видно. Вместо декораций — смена света. То есть танец выражает все с помощью только лишь музыки». Классическая баланчиновская идея — все атрибуты, отвлекающие от действа, исключаются. То же можно заметить в выборе костюмов: короткие вздернутые пачки вместо характерных для того времени утяжеленных, ненавязчиво подчеркивают грациозность тела. Поэтому вполне естественным кажется отсутствие декораций: лишь психофизика света и глубокая синева арьерсцены. Математическая точность, симметрия, чистота и декоративность изощренного хореографического содержания действительно кажутся возможными только на нейтральном фоне. Суть происходящего на сцене — не в передаче либретто посредством танца, а в том, чтобы раскрыть музыку, то есть танцевать ее.

Подобные бессюжетные балеты являются весьма трудоемкими для артистов: во-первых, они сложны технически, во-вторых, отсутствие отвлекающих факторов в виде декораций создает эффект прозрачности — все недочеты и ошибки синхронности становятся сильно заметны зрителю. Кроме того, играть роль на сцене или выдать голую экспрессию музыки в себе задача не из легких. Надо сказать, что балет подойдет не каждому зрителю, так как требует большей вовлеченности и внимательности, однако, если наслаждение геометрией рисунка вам близко, — удовольствие гарантированно.

СИМФОНИЯ
ДО МАЖОР

УКРОЩЕНИЕ СТРОПТИВОЙ

Мировая премьера состоялась 4 июля 2014 г.
Музыка Дмитрия Шостаковича
Либретто по пьесе Уильяма Шекспира
Хореография — Жан-Кристоф Майо
Спектакль идет 2 часа 5 минут с одним антрактом

Факты:
- Хореограф Жан-Кристоф Майо — действующий руководитель труппы балета Монте-Карло
- Спектакль стал первой за 20 лет работой Майо в иностранном театре

Этот балет по праву входит в список самых рекомендуемых нами к просмотру. Легкий, жизнеутверждающий спектакль, после которого вы выйдете из зала в прекрасном радостном настроении, в полной мере насладившись новым прочтением известнейшего произведения.
В истории танцевального театра встречалась не одна интерпретация известной пьесы Уильяма Шекспира «Укрощение строптивой». В новой интерпретации Жана-Кристофа Майо акцент сделан на человеческих взаимоотношениях. По мнению хореографа, это история столкновения двух людей, которым чужды «нормальные» отношения с людьми, потому и развитие их страстной любовной истории так интересно передавать на языке тела.
Несмотря на то, что сюжет пьесы остался неизменным, зрителя могут поначалу смутить лаконичное оформление сцены и современные костюмы. Впрочем, все это играет спектаклю на руку — дает возможность зрителю полностью погрузиться в танцевальные диалоги главных героев, а сама история выглядит как никогда близкой к нашему времени.
Выбор музыки был обусловлен тем, что спектакль ставился на русскую труппу. Музыка Шостаковича, дерзкая, с ярко выраженными акцентами, прекрасно ложится на характер главной героини Катарины. Выбранные хореографом произведения Шостаковича известны русскому зрителю очень хорошо: это музыка к кинофильмам «Овод», «Гамлет» и др.

Отдельно стоит поговорить о том, что балет начинается еще до открытия занавеса. Пока зрители рассаживаются по своим местам, на авансцену уже выходит девушка с мундштуком, присаживается перед оркестровой ямой и элегантно завязывает пуанты, при этом не забывая кокетничать с музыкантами. Такой «интерактивный» прием уже заранее интригует зрителя, и хотя идея в принципе не нова, она все еще работает на привлечение внимания аудитории.

В балете есть два состава исполнителей, но кто из них действительно «первый» — решить очень трудно. Кого бы вы ни выбрали — удовольствие обеспечено! И мы ни разу еще не слышали разочарованных отзывов. К просмотру обязателен!

ЧАЙКА

Мировая премьера балета состоялась 1 июля 2021 г.
Композитор — Илья Демуцкий
Хореограф-постановщик — Юрий Посохов
Режиссер-постановщик — Александр Молочников

Большой театр снова экспериментирует с привлечением режиссера в балетные постановки, и опыт этот вышел удачным. Хореограф Юрий Посохов и композитор Илья Демуцкий уже работали вместе на самой главной сцене страны, на этот раз к ним присоединился молодой режиссер Александр Молочников.

Чеховскую «Чайку» уже неоднократно ставили на театральной и в частности балетной сцене, по количеству постановок она считается второй после «Гамлета», однако спектакль Большого театра получился слегка инновационным. Неклассическое прочтение сюжета, сложное для понимания либретто, немного рваный стиль повествования, но при этом спектакль захватывает и не отпускает внимание до самого финала именно во многом за счет своей новизны и свежести идей. Неспроста слоганом постановки стала известная цитата «Нужны новые формы». Авторы отказались от привязки к конкретному времени и месту, герои существуют в XX веке, но при этом их характеры раскрываются весьма академично.

Как утверждает режиссер, основной темой балета является противостояние в разных формах – в искусстве, в отношениях с другими людьми, и даже самого с собой. «Для меня этот балет – возможность показать столкновение мощных сил, очень различных между собою взглядов. Что важнее – любовь матери и сына или их творческий конфликт? Страсть и влюбленность или позиция в искусстве? Стоит ли отдавать за это жизнь?» На первый план он выводит Костю Треплева, его страдания, переживания, взаимоотношения с матерью и Ниной, а также процесс его самоидентификации в этом мире.

Чем еще прекрасна эта постановка, так это замечательными актерскими работами артистов Большого театра, многие их них раскрылись в новых для себя ипостасях, спектакль со временем обрастает «мясом» и оживает, хотя даже и на премьерном блоке не выглядел сырым.

Будьте готовы много думать во время спектакля, анализировать увиденное и постарайтесь заранее напомнить себе детали первоисточника.

ЧЕТЫРЕ ПЕРСОНАЖА
В ПОИСКАХ СЮЖЕТА

9 ВАЛ

УГАСАНИЕ (FADING)

ТИШИНА (SILENTIUM)

ВСЕГО ЛИШЬ (JUST)

Премьера состоялась 10 сентября 2020 г.
Продолжительность – 2 часа 50 минут.

На музыку Михаила Глинки и Николая Римского-Корсакова
Хореограф-постановщик – Брайан Ариаc
Продолжительность – 1 час

на музыку Энрике Гранадоса
хореограф-постановщик – Димо Милев
Продолжительность - 18 минут

на музыку Арво Пярта
хореограф-постановщик – Мартин Шекс
Продолжительность - 15 минут

на музыку Дэвида Лэнга
хореограф-постановщик – Симоне Валастро
Продолжительность - 15 минут
Исполняется под фонограмму

История создания как никогда актуальна, мысль - собрать разных по стилю и происхождению хореографов в один спектакль - зародилась в период пандемии и принадлежит художественному руководителю Большого театра Махару Вазиеву. Как глоток свежего воздуха для артистов и зрителей премьера была выпущена сразу после снятия ограничений.

Хореограф симпатизирует русской живописи и культуре в целом, поэтому он замкнул концепцию своего спектакля на известной картине мариниста Ивана Айвазовского. Основной и единственной декорацией служит живая проекция полотна на арьерсцене. Отсюда и название – Девятый Вал.
Сюжет картины можно использовать в качестве либретто, описывающего суровую морскую стихию и ее последствия. Ариес использует творчество двух композиторов для передачи разных состояний моря. Русский композитор Николай Римский-Корсаков с детских лет грезил о море, изучил все, что касалось морского дела, даже учился в Морском корпусе, а после осуществил кругосветное путешествие. Неудивительно, что тема моря прослеживается во всем его творчестве. Неслучайно звучит и музыка Глинки – товарища Айвазовского. Интересно, что не раз они оказывали влияние на творчество друг друга, дополняя его новыми красками. И, действительно, музыкальное отражение характера стихии усилено выразительным исполнением артистов, одновременно ее дразнящих и подражающих ей.
На сцене занято довольно много исполнителей, и поначалу хореографический рисунок выглядит несколько ломаным и суматошным, однако это продолжается лишь короткий отрезок часовой постановки.
Кордебалетом раскатываются волны неспокойного моря, идея не нова, однако оказывает на зрителя завораживающий эффект.

Каталонский композитор Энрике Гранадоса весьма почитаем на родине и оказал большое влияние на развитие традиционной испанской музыки.
В силу обстоятельств, вызванных Первой мировой войной, премьера оперы «Гойески» в Париже была отложена на неопределенный срок, поэтому Грандос решился поставить ее в Нью-Йорке 26 января 1916. Спустя два месяца, опоздав на свой корабль вместе с супругой, им пришлось сесть на пассажирский пароход «Суссекс», который в конце пути был потоплен в Ла Манше немецкой подводной лодкой. Несмотря на попытки спасти жену, они оба утонули. Парадоксально, что Грандос всю жизнь страдал от талассофобии - боязни воды и нахождения в больших водоемах.
Милев был впечатлен судьбой композитора. В своей постановке он попытался беспредметно, не касаясь сюжета, описать чувства, инстинкты, тревогу, ощущение неизбежности, страх и любовь, которые он сам ощутил, окунаясь в биографию композитора. Либретто об этом не рассказывает, вероятно чтобы зритель прочувствовал это без подсказок. Однако, мы считаем, что подсказки помогут вам увидеть полноценную палитру.
Исполняется в сопровождении рояля.

Среди прочих молодых балетмейстеров Мартин Шекс оказался наиболее честолюбив, сделав ставку на звезду Большого театра Светлану Захарову, под которую и был поставлен его короткий балет. Удалась ли шалость судить вам, дорогой зритель.
Замысел Шекса состоял в том, чтобы показать «путь инициации» героини спектакля, некий обряд посвящения, иллюстрирующий трансцендентный переход в божественное состояние. Религия насчитывает три подобных этапа: взросление, вступление в узкий круг общества и братства и подтверждение мистического призвания. Ощущения, описанные в данной постановке, скорее рассказывают о третьем, высшем этапе духовного развития человека, процесс перехода из материального мира в иное неизученное пространство.
Музыкальным фундаментом неслучайно выбрана «Silentium» Арво Пярта, шотландский режиссер Мэтью Лентон охарактеризовал это произведение как «ангельскую музыку, востребованную умирающими в качестве утешения; лучшую для перехода в мир иной, ибо она дает надежду на загробную жизнь».
Сам хореограф позже поделился, что нашел отражение собственных ощущений в словах поэта Федора Тютчева в стихотворении Silentium!

Молчи, скрывайся и таи
И чувства и мечты свои —
Пускай в душевной глубине
Встают и заходят оне
Безмолвно, как звезды в ночи, —
Любуйся ими — и молчи.

Как сердцу высказать себя?
Другому как понять тебя?
Поймет ли он, чем ты живешь?
Мысль изреченная есть ложь —
Взрывая, возмутишь ключи,
Питайся ими — и молчи…

Лишь жить в себе самом умей —
Есть целый мир в душе твоей
Таинственно-волшебных дум —
Их оглушит наружный шум,
Дневные разгонят лучи —
Внимай их пенью — и молчи!..

Балет поставлен на музыку замечательного композитора Дэвида Лэнга, а именно - его песню «Just», написанную в 2015г. Таким образом хореограф решил не уделять внимание раскрытию смысловой подоплеки и сделал постановку одноименной с выбранной музыкой.
«Just» Дэвида Лэнга отражает его собственные ощущения и заметки в «Песне Песней» Соломона. Песня о взаимной любви по данным разных трактовок - любви бога к людям и любви мужчины и женщины. «Песня Песней» входит в корпус еврейских религиозных книг и является здесь самой эротичной поэмой. В иудаизме по настоянию Лютера на нее наложен запрет к прочтению до наступления 30-летнего возраста.
Так как же столь смелое яркое сексуальное изречение оказалось таким скучным и унылым в процессе телесного выражения?
По силе воздействия фонограмма не может сравниться с эмоциональным зарядом сотворенным оркестром. Фактически хореография построена на мимическом подражании звучащих напевов. Зритель может оказаться неподготовленным к противоречивой сценографии хореографа. По его собственным словам, сценография отражает его хореографию. Однако, связь между библейскими мотивами, эротикой и промышленными вентиляторами угадывается с трудом.

Мировая премьера: 1948 г.
Премьера в Большом: 19 марта 2017 г.
Музыка: Кнудаге Риисагер по произведениям Карла Черни
Хореограф: Харальд Ландер
Длительность: 45 минут

Факты:
- Идея создать спектакль о ежедневном экзерсисе впервые воплощена Бурнонвилем в 1848 г. в балете «Консерватория»
- Карл Черни известен как деятель и педагог в сфере фортепьянной музыки, а также автор многих этюдов, в том числе и для классов

Видимая легкость и невесомость артистов, которой наслаждается зритель на сцене, — результат рутинных изнурительных тренировок. С момента начала обучения в училище и заканчивая последним днем перед выходом на пенсию артисты оттачивают свое мастерство ежедневным экзерсисом. Спектакль, в котором не исполняются роли, нет героев, артисты выражают себя в частности, вместе с тем олицетворяя всех в целом.
Начало балета в кромешной тьме в свете индивидуально направленного прожектора открывает одна исполнительница в откровенном гран плие, далее группировками по трое появляются обезличенные ноги двенадцати балерин, выполняющих упражнения балетного класса, затем группируются по четыре пары ног, по итогу, объединяясь, превращаются в единый организм. Следом происходит магия экзерсиса теней возле станка на синем фоне. Мало что кажется прекраснее тонуса тела, порождаемого движением. Двигаясь от простого к сложному, действие занимает все
больше сцены, происходит романтичное па де труа, из темноты возникают позиции рук и постепенно создается геометрический рисунок, следуют вариации артистов. Будто из дверных щелей, струится свет, прыжки, пируэты — все это сходится в бешеном аллегро в финале. Вечный феномен балетного искусства — сложное кажется простым.
Невероятно значима роль подобных спектаклей в репертуаре театра даже не столько из-за своей зрелищности, сколько из-за влияния на общий уровень занятых артистов. Эта категория задирает планку опытным исполнителям, диктует высочайшие требования как к форме, так и к содержанию. Мало того, что нужно соответствовать уровню неумолимой классики, — так еще добавьте к этому обилие массовых сцен, и все это в сцепке еще надо собрать в рабочий механизм.

Балет одноактный, короткий, тем не менее необычайно сложен в исполнении. Рекомендуем смотреть подготовленным зрителям.

ЭТЮДЫ

АДАЖИО — медленный сольный или дуэтный танец в классическом балете.
АПЛОМБ — умение танцовщицы стоять в той или иной позе на одной ноге на протяжении долгого времени
АМПЛУА — сходные по характеру роли, соответствующие дарованию и внешним данным определенного актера.
АВАНСЦЕНА — передняя часть сцены (между занавесом и рампой).
АРЬЕРСЦЕНА — наиболее удаленная от зрительного зала часть сцены.
АВАНЛОЖА — места в зрительном зале, помещение перед входом в ложу.
АМФИТЕАТР - места для зрителей, за партером, расположенные возвышающимся полукругом.
АКТ — законченная часть драматического произведения или театрального представления; то же, что и действие.
БАЛКОН — места в зрительном зале, расположенные амфитеатром в различных ярусах.
БЕЛЬЭТАЖ — первый ярус балконов над партером и амфитеатром в зрительном или концертном зале.
БЕНЕФИС — театральное представление в честь одного актера, либо спектакль, сбор от которого поступал я пользу одного или нескольких актеров, а также других работников театра.
БЕНУАР — театральные ложи на уровне сцены или несколько ниже по обеим сторонам партера.
БЛОК – как правило, спектакли в Большом театре идут блоками, т.е. это показ одной постановки несколько раз подряд.
ВАРИАЦИЯ — короткий, но законченный виртуозный танец для одного или нескольких исполнителей. Обычно является частью Pas de deux, Pas de trois, Grand Pas. Вариация возможна в качестве самостоятельного эпизода.
ДЕБЮТ — первое или пробное выступление на сцене, в программке часто можно увидеть дебют того или иного артиста в конкретной партии в спектакле.
КАПЕЛЬДИНЕР — работник театра, который проверяет билеты на входе и помогает зрителям найти своё место в зале. Следит за порядком в зале во время представления.
КОРДЕБАЛЕТ - основная часть балетной труппы, артисты, танцующие в ансамбле и исполняющие массовые танцевальные номера и сцены.
КОДА - заключительная часть многих танцевальных форм, преимущественно виртуозного характера, следующая за вариациями.
КУЛУАРЫ — залы и коридоры театра, приспособленные для отдыха и обмена мнениями.
ЛИБРЕТТО — короткий текст, поясняющий действие музыкально-вокального произведения, балета или спектакля.
ЛОЖА – это обособленное, в виде небольшого внутреннего балкона, помещение в зрительном зале, предназначенное для нескольких зрителей. Ложи, как правило, расположены по сторонам и сзади партера, на ярусах, а также по боковым сторонам просцениума или примыкают к оркестровой яме (такие ложи носят название «бенуар»).
МИЗАНСЦЕНА — расположение актеров на сцене в тот или иной момент спектакля.
МИМАНС (сокращение от «мимический ансамбль»), группа артистов музыкально и пластически одарённых, участвующих в массовых сценах оперных и балетных постановок.
Искусство мизансцены — один из важнейших элементов режиссуры.
ПАРТЕР — плоскость пола зрительного зала с местами для зрителей, обычно ниже уровня сцены.
ПА-ДЕ-ДЕ (фр. pas de deux «шаг обоих») — одна из основных музыкально-танцевальных форм в балете. Состоит из выхода двух танцовщиков (антре), адажио, вариаций сольного мужского и женского танцев и совместной виртуозной коды.
ПАРТИЯ – роль и танцевальные па в спектакле.
ПИРУЭТ — (фр. крутиться вокруг собственной оси) или же тур — термин классического танца, обозначающий поворот, оборот вокруг себя.
РАМПА — осветительная аппаратура на полу сцены по ее переднему краю, скрытая от публики бортом.
РЕКВИЗИТ — предметы, используемые в театральных постановках.
РЕПЕТИЦИЯ — основная форма подготовки театрального представления.
РЕПЕРТУАР — совокупность произведений, исполняемых в театре.
СЦЕНОГРАФИЯ — организация того пространства, в котором разворачивается представление. Сюда входит комплекс из декораций, костюмов, света, художественное оформление сцены и зрительного зала.
ЭТЮД — в театральной педагогике упражнение, предназначенное для развития и совершенствования актерской техники.
ЭКЗЕРСИС — комплекс упражнений для совершенствования техники балетного танца. Состоит из трех частей: станок, прыжки, пуанты.
ЯРУС — балкон с местами для зрителей, идущий вдоль задней и боковых стен зрительного зала

Глоссарий

На этой книге, кажется, выросло не одно поколение балетоманов. Несмотря на энциклопедичность подачи, читалась она взахлеб — такая ценная возможность прикоснуться к балетному миру. В сборнике — сюжеты самых известных балетов советской сцены с данными о первых постановках и небольшими биографическими справками. Книга собиралась и дополнялась автором на основе более раннего издания, «75 балетных либретто». Сборник много раз переиздавался, и пока еще потрепанный томик вполне реально найти у букинистов.

В книге собраны мемуарные записи, статьи, интервью и переписка знаменитого балетмейстера. Он рассказывает о своих впечатлениях от балета того времени, делится мыслями о необходимых на его взгляд реформах и показывает изнанку своих рабочих процессов. Можно проследить путь маэстро от чисто технического балета того времени к новому хореографическому языку, более художественному и выразительному. «Я понял, что зритель не может поверить в какие-либо переживания действующих лиц, когда глаза влюбленных персонажей не видят друг друга, а умоляюще смотрят на галерею, откуда ждут себе хлопков»

Небольшая книга с огромным количеством редких иллюстраций и интересных фактов. Сергей Дягилев дни Первой мировой проводит со своей труппой в спокойной Швейцарии на берегу Женевского озера. Его живому уму скучно в бездеятельности, и он решает возродить «Русские балеты» на гастролях в Америке. История вышла очень динамичная, автор поддерживает это ощущение повествованием в настоящем времени — читается легко, можно проглотить за один вечер.

Книга написана ярко, полна свежих мыслей, которые расходятся с общепринятой точкой зрения, и смелых провокационных высказываний. Плисецкая, например, откровенно и хлестко рассказывает о том, как отвратительно было ей быть «в чести» у тогдашних вождей и как она шла на это ради семьи и любви к балету. В издании много фотографий, большинство из которых уникальны и раньше нигде не публиковались.

Изданная совсем небольшим тиражом книжка быстро стала библиографической редкостью. Книга писалась на основе лекций, которые Волынский читал в Школе русского балета, и дневниковых записей. Танец, по определению автора, — форма ликования, выражения сложных чувств. В то время аналогов этой книги не существовало. Читается, кстати, совсем не как энциклопедия, поскольку написана ярким, цветистым и образным языком, с большим количеством лирических отступлений и философских размышлений.

Балетный критик Юлия Яковлева рассказывает об истории русского балета, Мариусе Петипа и об изнанке театральной жизни. Балет в этой книге представлен во всей своей многогранности: восхищение красотой танца и чугунная усталость от тяжелой работы, жестокая конкуренция и сомнительное покровительство. В книге много интересных цитат. А написана она так живо и с таким уважением и трепетом в отношении балетного искусства, что оторваться невозможно.

Автор - Суламифь Мессерер, свидетельница многих событий, путешествовала по миру с выступлениями, оказала влияние на балет Англии. Воспитала много талантливых артистов, можно сказать, и М. Плисецкую. В воспоминаниях рассказала о работе в Японии, о гастролях в Лондоне и встречах с Нуреевым, Пети. Описано легким ироничным языком.

Автор - Рудольф Нуреев, он несколько раз исправлял текст книги до печати. И повествование получилось четким и логичным. Книга наполнена фактами и рассуждениями о смысле танца и его развитии.

Автор Андрей Клемм - педагог Королевского балета. Его упражнения просты, но содержат всё, чтобы подготовить артиста к сцене. Книга содержит фотографии Баклей и В. Аржоны и материал о работе с техникой танца.

Не без перца книга о жизни Большого театра глазами обозревателя отдела культуры Комерсантъ. Административные перевороты, триумфы и потрясения. Легко читать.

ЧТО ПОЧИТАТЬ О БАЛЕТЕ

Суламифь. Фрагменты воспоминаний.

Рудольф Нуреев. Автобиография.

Балетный класс. Андрей Клемм

Хроники Большого балета. Татьяна Кузнецова

«Против течения». Михаил Фокин

«100 балетных либретто»,.Л.А. Энтелис

«Ренессанс Русского балета», Жан-Пьер Пастори

«Я, Плисецкая...». Майя Плисецкая

«Книга ликований. Азбука
классического танца», А.Л. Волынский

«Создатели и зрители. Русские балеты
эпохи шедевров». Юлия Яковлева

«Сможете ли вы, поставив стопы параллельно друг другу и соединив их внутренние края, развернуть затем каждую стопу на девяносто градусов так, чтобы пальцы правой ноги смотрели вправо, а левой – влево? Как Чарли Чаплин? <...> Кажется, что, если подует сильный ветер, вы упадете»
Так начинается красивая и поэтичная книга Лоры Джейкобс не столько о балетной истории, сколько о любви к этому искусству. Автор приводит цитаты мэтров, рассказывает о судьбах видных танцоров и самых примечательных балетных спектаклях. New York Times в своей рецензии назвал сочинение Джеймс «рассказом из-за кулис» — повествование и правда получилось почти интимное. Приятный бонус — отличный язык, который легко читать, и качественный перевод.

Романтическая тема «потусторонних встреч», которая волновала деятелей искусства в 19-м веке, в 20-м приобрела новое трагическое звучание. Один из самых известных балетных критиков посвящает этому феномену несколько своих исследований, которые собраны под одной обложкой. Поэтичный образный язык Гаевского позволяет наслаждаться каждой строчкой. «Бесподобная поза, где все играет и все поет: и тонкие кисти танцовщицы, и ее стройные ноги, и ее нежное неземное лицо, и ее острые выворотные пуанты»...

Откровенный и искренний монолог великого танцовщика. Он не стесняется быть самим собой — книга начисто лишена позерства и полна признаний о себе и о балетном закулисье. Кстати, есть и аудиоверсия мемуаров — ее озвучила Илзе Лиепа, а Марис Лиепа оставил комментарии.

Воспоминания балетмейстера Сержа Лифаря о его друге Сергее Дягилеве впервые были изданы в 1939 году. Серж создал живой и правдивый образ Дягилева — правда, как он сам признается, в его истории гораздо больше прекрасного разностороннего человека Сергея Павловича, чем великого театрального деятеля. Но тем интересней читать посвященным и уже изучившим официальную биографию Дягилева вдоль и поперек.

Яркие зарисовки из жизни прекрасной балерины дягилевской труппы. Карсавина описывает свою жизнь начиная с детских воспоминаний и заканчивая 1929 годом. Точку в мемуарах она поставила в тот день, когда узнала о смерти Дягилева — но осознанно не стала ничего менять в своем рассказе. Книга написана прекрасным цветистым языком и живописует не только балетные реалии того времени, но и общую атмосферу непростого тревожного времени.

Возможность взглянуть на жизнь балетной семьи и личность Майи Плисецкой под другим углом. Перед глазами проходит необъятная история целого клана на фоне войн, революций, побед и тягот — каждый из участников заслуживает отдельного повествования. Рассказ младшего в семье Плисецких красочен, беспристрастен и предельно интеллигентен.

Автор — в прошлом балерина, поэтому немало знает об изнанке балетного мира. В энциклопедии подробно разобраны национальные особенности балетных школ и прослеживается путь балета от рождения до наших дней. Хоманс описывает развитие хореографии и техники и то, как балетное искусство отражало контекст эпохи в разные времена. В каждой строчке этой книги считывается глубокая любовь к балету, что особенно импонирует. Возможно, нам не хватило побольше иллюстраций, но ценности книги это не умаляет.

Очень живые и яркие рассуждения о балете со множеством интересных отступлений. Автор говорит раскованно и смело — неудивительно, что в 1981 году, когда книга только вышла в печати, ее тут же запретили. Критики признают «Дивертисмент» памятником русской культуры — обязательно к прочтению всем, кому небезразличен балет! А множество архивных фотографий доставляет особенное удовольствие.

«Потусторонние встречи», Вадим Гаевский

«Я хочу танцевать сто лет». Марис Лиепа

«Дягилев. С Дягилевым». Серж Лифарь

Лора Джейкобс, «Небесные создания»

«Театральная улица. Воспоминания»,
Тамара Карсавина

«Жизнь в балете. Семейные хроники Плисецких
и Мессереров». Азарий Плисецкий.

Дженнифер Хоманс, «История балета.
Ангелы Аполлона»

Вадим Гаевский. «Дивертисмент. Судьбы классического балета».

Молодая балерина Квинслендского балета делится тренировками и мило и непосредственно рассказывает о своей балетной жизни: как проходят танцевальные фотосессии, делает обзор пуантов и показывает свой «танцевальный» рацион.

Блог, в котором можно посмотреть фрагменты выступлений мировых звёзд балета, очень много российских исполнителей. Например:
Евгения Образцова в "Спящей красавице";
Наталья Осипова в постановке "Дон Кихот";
Светлана Захарова в "Баядерке";
Надежда Грачева, "Дочь фараона".

На канале есть интересный плейлист "PRO-БАЛЕТ". Вышло 7 выпусков, которые ведёт Николай Цискаридзе. Он делится историями из выступлений, своим пониманием балета и раскрывает смысл постановок с точки зрения артиста и педагога.

Таня изучает балет и его закулисье. Много роликов о занятиях и растяжке. Есть интервью с артистами и мастер-классы. А есть познавательные видео: о пуантах, особенности китайского балета. Есть интересные, например: что лежит в сумке балерины или сколько зарабатывает артист.

Хотя сообщество посвящено музыке, любители танца найдут здесь для себя интересное. Среди балетных находок, например, отрывки из индийского балета Мориса Бежара 1970 года или национальный грузинский балет — или более привычные нам классические опусы Чайковского и Адана. Все записи в хорошем качестве, так что смотреть вдвойне приятно!

Выпускные спектакли и балы Академии, многочисленные интервью с Цискаридзе, интересное и трогательное закулисье юных танцовщиков и рассказы об известных балетных личностях. На это взглянуть хотя бы одним глазком. А те, кто любит подглядывать за балетной «внутрянкой», подметят для себя много интересного.

Архивы Гостелерадиофонда открыты, а это значит, что в них можно вдоволь покопаться и найти множество шедевров: от классических записей выступлений Плисецкой или Годунова до забавных «домкультурных» видео с неподражаемым советским колоритом. Употреблять советуем с осторожностью: путешествие по шедеврам балетной классики может оказаться очень долгим...

Солистка Нью-Йорк Сити Балет показывает упражнения на растяжку и основные балетные па, демонстрирует небольшие партии и даже дает мастер-классы по сценическому макияжу. Смотреть приятно и во многом познавательно — в США ее канал считается одним из лучших для начинающих танцовщиков.

YOUTUBE КАНАЛЫ ДЛЯ ВДОХНОВЕНИЯ

Medici.tv

Гостелерадиофонд. Советское телевидение

Канал Академии русского балета им. Вагановой

Kathryn Morgan

Talia Fidra

The Bundu Ballerina

The Arts Media, Pro-Балет

Таня + Танцы

Наш канал об искусстве, балете и артистах. Наш новый видео-проект, который мы активно развиваем. Подписывайтесь, впереди очень увлекательный контент!

Труппе этого балета не откажешь в чувстве юмора: их «карантинные» новогодние ролики под «Щелкунчика» прекрасны. Рекомендуем для поднятия настроения! Ну и остальные материалы с тренировками и эпизодами выступлений, конечно же, заслуживают внимания.

Много закулисья: можно подглядеть за репетициями, побывать за кулисами или посмотреть, как делаются балетные костюмы. Внимание на себя обращает блестящая операторская работа — от простых обзоров сезона или съемок репетиций глаз не оторвать.

Это канал американского журнала о балете. На ютуб-канале можно найти интервью с артистами и хореографами, тренировки, новости и закулисье американского балета. Чтобы послушать интервью, лучше знать язык, но тренировки и выступления можно смотреть и без знания английского.

Блог от театра "Ковент-Гарден", все о британском балете и не только. Интервью с артистами и деятелями сцены, прямые трансляции, отрывки выступлений с комментариями хореографов и закулисье главного театра Великобритании. Как и с предыдущим блогом, все на английском, но с высоким качеством.

Вы еще не следите за каналом самого известного российского издания о балете? Тогда он станет для вас приятным открытием! Помимо бэкстейджей и документальных фильмов о звездах балета отдельное удовольствие доставляют восхитительные черно-белые клипы Алисы Аслановой с нашими балеринами под известные мелодии. Как бы выглядела песня «Земфиры», будь она танцем? Спойлер: очень хрупко, нежно, и в то же время провокационно. Ни слова больше — лучше смотрите сами.

Любителям балетной эстетики смотреть обязательно! На этом канале уже год нет обновлений, но архивы заслуживают просмотра. Обычные тренировки балерин в репетиционных залах в исполнении авторов канала превратились в красивейшие динамичные видео. Очень естественные, не постановочные и живые, но невероятно эстетичные.

Dance Magazine

Royal Opera House

La Personne

Anaheim ballet

Pacific Northwest ballet

Большой эксперт

The Australian ballet

Для новичков, только знакомящихся с прекрасным миром балета в Большом театре, мы решили разделить текущий репертуар на самые необходимые зрителю категории. Считайте, это ваша шпаргалка. Используя ее, в зависимости от ваших ожиданий, целей и спутников, вы подберете именно тот спектакль, который наилучшим образом вам подойдет.

Баядерка
Дон Кихот
Жизель
Лебединое озеро
Корсар
Раймонда
Спящая красавица
Щелкунчик

Укрощение строптивой
Светлый ручей
Зимняя сказка
Щелкунчик

Ромео и Джульетта
Жизель
Легенда о любви
Спартак
Онегин

Драгоценности
Артефакт-сюита
Этюды
Симфония до Мажор
Забытая земля

Коппелия
Щелкунчик

Спартак
Светлый ручей
Иван Грозный

Светлый ручей
Укрощений строптивой

Анна Каренина
Зимняя сказка
Дама с камелиями
Нуреев
Герой нашего времени
Чайка
Орландо

Иван Грозный
Спартак
Легенда о любви
Зимняя сказка
Анна Каренина
Светлый ручей

НАШИ РЕКОМЕНДАЦИИ ПО БАЛЕТАМ БОЛЬШОГО ТЕАТРА

Золотая классика

новичка

Поплакать

Бессюжетное

С детьми

Привести мужа

Посмеяться

Необычное

Большой эксперт рекомендует

Екатерина Шипулина

Артемий Беляков

Иван Васильев

Кристина Кретова

Владислав Лантратов

Игорь Цвирко

СОЦИАЛЬНЫЕ СЕТИ И ЛИЧНЫЕ САЙТЫ НЕКТОРЫХ АРТИСТОВ БОЛЬШОГО ТЕАТРА

Светлана Захарова

Евгения Образцова

Анастасия Сташкевич

Ольга Смирнова

Мария Виноградова

Денис Родькин

Элеонора Севенард

Артем Овчаренко

Якопо Тисси

Анна Никулина

Екатерина Крысанова

Юлия Степанова